Les origines

La théorie des couleurs explore les phénomènes chromatiques, l'interaction des couleurs et leur effet sur les observateurs.

C'est le philosophe et scientifique Aristote qui a ouvert la voie. Il a classé les différentes couleurs en fonction du déroulement de la journée : les couleurs évoluent de manière linéaire du blanc (clair = matin, midi) au coucher du soleil (sombre = soir, nuit). Le blanc devient jaune, l'orange devient rouge, le violet devient vert, le bleu devient noir. Lors de l'élaboration de sa théorie des couleurs, Aristote a en outre expérimenté la chute de lumière à travers un verre bleu et un verre jaune et a observé la formation d'une tache de couleur verte lorsqu'il tenait le morceau de verre bleu et le morceau de verre jaune l'un devant l'autre sur un mur blanc.

L'artiste et scientifique Léonard de Vinci a ensuite posé au 15e siècle l'une des premières pierres théoriques les plus importantes pour la disposition systématique des couleurs. Il est parti d'une disposition des couleurs primaires bleu, rouge, jaune et vert et a étudié leurs effets harmoniques comme le contraste simultané et les couleurs complémentaires. Il a approfondi ses observations de la lumière et des ombres, qu'il a intégrées dans sa peinture. Il reconnaissait dans la lumière la qualité et l'intensité de la couleur. Là où il y a de la lumière, la couleur doit être la plus intense et la mieux mise en valeur. Dans l'ombre, la couleur doit prendre le ton de l'ombre et être de la même couleur sombre que les autres couleurs. Pour lui, le blanc et le noir ne sont pas de (vraies) couleurs. Le blanc est le "récepteur neutre de chaque couleur", il reflète toutes les couleurs. Le noir ne paraîtrait pas plus noir à côté du blanc que s'il était placé à côté du noir. Il en va de même pour le blanc à l'inverse.

L'arc-en-ciel a également joué un rôle important dans le développement de sa théorie des couleurs. Il s'est rendu compte qu'un arc-en-ciel n'était pas produit uniquement par le soleil, mais qu'il s'agissait plutôt d'une interaction entre la pluie, le soleil et l'œil humain, mais qu'il pouvait également être créé par la réflexion des rayons du soleil sur une surface de diamant. Au centre de l'arc-en-ciel, de Vinci a observé le mélange du jaune et du bleu en vert et a constaté que la couleur brille de manière plus vive lorsqu'elle est placée à côté de son partenaire de couleur complémentaire, c'est-à-dire les couleurs qui semblent les plus contrastées entre elles.

Le cercle chromatique

Le physicien Sir Isaac Newton a commencé ses recherches au 18e siècle, en se basant sur les théories de De Vinci. Il a ainsi découvert que la lumière blanche se décomposait en couleurs de l'arc-en-ciel par réfraction dans un prisme en verre. Il a défini ces couleurs vives comme des couleurs spectrales et a établi les sept couleurs rouge, orange, jaune, vert, bleu, indigo et violet comme couleurs de base pour son cercle chromatique (1704) (illustration 1). Il fut le premier à disposer les couleurs dans un cercle en fonction de leur interdépendance.

Illustration 1 : Portrait de Sir Isaac Newton, cercle chromatique de Newton (1704).

Goethe a suivi les découvertes de Newton, mais a répondu à sa théorie selon laquelle la lumière blanche est composée de la somme des couleurs du spectre par son propre point de vue selon lequel la couleur est le résultat d'une interaction dualiste, d'une lutte de forces entre le clair (lumière) et le sombre (ténèbres). Selon Goethe, il existe deux couleurs pures, le jaune et le bleu. Si l'on superposait ces deux couleurs, on obtiendrait un bord jaune et un bord bleu. Selon la proportion de clarté (plus grande proportion de jaune) et d'obscurité (plus grande proportion de bleu), on obtiendrait la couleur rouge, les deux mélanges vert et pourpre et, à partir de là, d'autres nuances de couleurs.

Illustration 2: Portrait de J. W. von Goethe (1828), cercle chromatique de Goethe (1809).

Le cercle chromatique de Goethe (illustration 2) se compose d'un cercle intérieur et d'un cercle extérieur. Il a divisé le cercle intérieur en six teintes. Goethe a identifié la couleur rouge comme étant "belle", la couleur orange comme étant "noble", la couleur jaune comme étant "bonne", la couleur verte comme étant "utile", la couleur bleue comme étant "méchante" et la couleur bleu-violet foncé comme étant "inutile". Le cercle extérieur est composé de quatre parties. Il a défini la partie rouge-orange par la valeur "raison", la partie jaune-verte par "intellect", la partie vert-bleu par "sensualité" et la partie bleu-violet-rouge foncé par "imagination".

Goethe a rédigé sa théorie des couleurs en 1810. Il y formulait en outre ses premières réflexions sur la psychologie des couleurs ; l'effet et "l'utilisation allégorique, symbolique, mystique" de la couleur et présentait un cercle chromatique pour symboliser la vie mentale et spirituelle de l'homme, qui ne se distingue pas fondamentalement du cercle chromatique de Newton sur le plan optique. La théorie des couleurs de Goethe n'a aujourd'hui qu'un caractère historique pour l'art.

La sphère des couleurs

Des artistes comme Philipp Otto Runge (1777-1810) se sont inspirés de la théorie des couleurs de Goethe pour développer leur propre théorie des couleurs.

Ainsi, après avoir étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Copenhague, Runge s'est rendu à Dresde où il s'est intéressé de plus près aux études sur les couleurs en 1810 et a publié un système de couleurs tridimensionnel, une sphère chromatique (illustration 3), en même temps que Goethe.

Illustration 3: Autoportrait de Philipp Otto Runge (env. 1802), La boule de couleur de Runge.

La sphère chromatique montre le rapport de mélange échelonné de 12 nuances de couleurs entre le clair (blanc) et le foncé (noir). Les mélanges se basent sur les couleurs primaires pures rouge, bleu et jaune, qui sont régulièrement espacées le long de l'équateur. Runge voyait en elles la "Trinité de Dieu". Entre les trois couleurs pures se trouvent les mélanges respectifs d'orange, de violet et de vert. Les pôles de la sphère représentent les deux non-couleurs blanc et noir. Runge voyait le bien dans la lumière et le mal dans les ténèbres. Au centre des couleurs se trouve le gris. Il est l'union de toutes les couleurs et résulte également du mélange des non-couleurs blanc et noir.

Bien que la sphère montre les nuances des mélanges entre les trois couleurs primaires ainsi que le blanc et le noir, Runge lui-même ne s'intéressait pas à la visualisation en tant que telle, mais à la représentation de l'harmonie et de l'ordre des couleurs. A l'aide de sa sphère chromatique, Runge a étudié les rapports des couleurs entre elles, leur effet, et surtout l'effet modifié sur l'homme en fonction des proportions de mélange, et a chiffré le schéma avec des noms de couleurs. Comme Goethe avant lui, il a lui-même critiqué la science de Newton, estimant d'une part que celui-ci négligeait l'effet des couleurs et d'autre part que celles-ci étaient inaccessibles aux artistes. En revanche, la sphère chromatique de Runge devait servir d'outil d'aide à la réalisation pratique pour les créateurs d'art.

La demi-sphère

Dans les années 1830, le chimiste français Eugène Chevreul s'est intéressé de plus près aux contrastes de couleurs afin d'établir une classification systématique de l'esthétique des couleurs pour la teinture des textiles. En 1839, il publie sa théorie "De la loi du contraste simultané des couleurs". Avec cette théorie, Chevreul a posé une autre base importante dans la théorie des couleurs et a influencé de manière décisive les courants artistiques ultérieurs de l'impressionnisme, du néo-impressionnisme et du cubisme orphique.

Alors que Léonard de Vinci avait déjà constaté à son époque que les couleurs juxtaposées s'influençaient mutuellement et que Goethe étudia plus tard les contrastes de couleurs de manière plus approfondie, Chevreul se concentra une fois de plus sur cette thématique ainsi que sur l'organisation des couleurs afin de développer une loi de l'harmonie des couleurs.

Il a ainsi créé un cercle chromatique de 72 parties (illustration 4 au centre), composé des trois couleurs primaires rouge, jaune et bleu et de leurs 23 couleurs mélangées respectives. Le cercle est divisé en 12 rayons composés des trois couleurs primaires (rouge, jaune, bleu), des trois mélanges primaires orange, vert et violet ainsi que des six mélanges de ces couleurs, à savoir rouge-orange, jaune-orange, jaune-vert, bleu-vert, rouge-violet et bleu-violet. Dans le cercle, les couleurs primaires sont opposées à leur partenaire complémentaire. Le cercle chromatique de Chevreul illustre le fait que la couleur confère une teinte complémentaire à la couleur voisine. Cela a pour effet que les couleurs complémentaires opposées s'éclaircissent mutuellement. Les couleurs non complémentaires, en revanche, influenceraient le fait que la couleur reçoive une teinte de sa partenaire complémentaire, c'est-à-dire que si le rouge, situé à côté du bleu, visualise une teinte verte. L'effet selon lequel notre œil perçoit simultanément (=simultanément) dans l'environnement d'une couleur sa couleur complémentaire est défini comme un contraste simultané.

Illustration 4: Portrait de Michel Eugène Chevreul, cercle chromatique et demi-sphère de Chevreul.

Sous la forme d'une demi-sphère ( illustration 4 à droite), Chevreul a élargi son organisation chromatique et l'a présentée dans l'espace en attribuant à chacun des rayons une gradation respective de dix parties vers le clair (blanc = intensité plus élevée) et une gradation de dix parties vers le foncé (noir = intensité plus faible).

L'étoile de couleur

Le cercle chromatique développé par Johannes Itten s'inspirait de la sphère chromatique de Philipp Otto Runge et des explications théoriques sur les couleurs d'Adolf Hölzer. Partant de la théorie des couleurs de Hölzer, Itten a d'abord créé une étoile de couleur à six branches qui rappelait le cercle chromatique de Goethe. Il vit de nombreux parallèles avec la musique et créa le cercle chromatique en douze parties (illustration 5), par analogie avec les expériences musicales de Josef Matthias Hauser sur le dodécaphonisme en 1919.

Pour ce faire, il a transposé les échelles de couleurs de la sphère tridimensionnelle de Runge en deux schémas différents de 12 parties. L'un d'eux représente une étoile, l'autre un rectangle. Tous deux montrent comment les couleurs se rapportent les unes aux autres ainsi qu'au blanc et au noir, en représentant les gradations en sept parties des couleurs du clair au foncé et les contrastes complémentaires en face. Itten a publié sa théorie des couleurs en 1921 dans l'almanach Utopia.

Itten s'intéressait également à l'harmonie et à l'ordre des couleurs et a également mis en avant les contrastes de couleurs dans sa théorie des couleurs.

Illustration 5: Photo de Johannes Itten ©CC BY-SA 3.0, sphère de couleur d'Itten (1921) ©Public domain US.

Les formes de base

En 1922, Wassily Kandinsky a pris la place d'Itten au Bauhaus de Weimar, où il a enseigné la théorie des formes et des couleurs. C'est lui qui a attribué aux couleurs primaires bleu, rouge et jaune leurs formes de base, le cercle, le carré et le triangle, qui sont aujourd'hui très caractéristiques du Bauhaus ( illustration 6).

Illustration 6: Photo de Wassily Kandinsky, formes de base et leurs couleurs.

Inspiré par les études de Goethe sur la psychologie des couleurs, Kandinsky a rédigé en 1911 son ouvrage "Sur le spirituel dans l'art". Il y reconnaît non seulement un lien entre les couleurs et les formes, mais leur attribue également différentes impressions sensorielles (= synesthésie). En 1926, il a élaboré sa théorie "Point et ligne pour surface".

Pour lui, il existe des paires d'opposés : bleu (froid, ciel) - jaune (chaud, terre), noir (sombre) - blanc (clair), rouge - vert et orange - violet.

La roue chromatique

"La couleur me tient. Je n'ai pas besoin de la chercher. Elle me tient pour toujours, je le sais. C'est le sens de l'heure heureuse : moi et la couleur ne faisons qu'un. Je suis peintre". (Citation de Paul Klee, 1914)

Une citation bien connue d'un peintre allemand qui, au début de sa carrière artistique, n'avait rien à voir avec la couleur. Ce n'est que lors de son voyage en Afrique du Nord en 1914, où il a découvert des intensités de couleurs et des ambiances lumineuses particulières, que Paul Klee s'est inspiré de la couleur. Le choix de la couleur a changé son œuvre pour toujours.

L'artiste entretint des contacts étroits avec Itten et se consacra à ses essais théoriques sur la couleur. En 1916 et 1919, il le rencontra à Munich. À partir de 1921/22, Klee s'intéressa de plus près aux théories de la couleur de Goethe, Runge, Delacroix et Kandinsky au Bauhaus de Weimar. Il s'est lui-même inspiré de l'arc-en-ciel pour l'organisation de ses couleurs, qui représentait pour lui la gamme des couleurs pures.

Comme Goethe et Runge, Klee critiquait le spectre newtonien et se distançait de l'hypothèse selon laquelle les couleurs naîtraient de la réfraction de la lumière blanche. Au lieu de cela, il attribuait les couleurs à la "zone frontière entre l'atmosphère et l'univers". De même, il rejetait les parallèles avec la musique que d'autres artistes comme Itten et Kandinsky poursuivaient.

Les premiers modèles de couleurs de Klee sont apparus au début des années 1920. Comme dans la sphère de couleur de Runge, le gris est au centre. Le point gris fonctionne comme le centre de l'ordre chromatique et fixe la mesure de l'harmonie de toutes les relations entre les couleurs. Les pôles sont le blanc et le noir. Le long de l'équateur, il existe une échelle de six couleurs complémentaires : Le jaune, le bleu et le rouge comme couleurs primaires ainsi que le vert, l'orange et le violet entre les deux (illustration 7 au centre). La roue chromatique (illustration 7 à droite) montre une disposition bidimensionnelle de la même théorie. Les couleurs primaires rouge, jaune et bleu constituent les points de rotation extrêmes, entre lesquels se trouvent leurs couleurs complémentaires violet, orange et vert. Il y a ici un autre complément qui ferme la roue chromatique de manière circulaire : les couleurs mélangées des couleurs primaires et complémentaires, c'est-à-dire le rouge-violet, le rouge-orange, le jaune-orange, le jaune-vert, le bleu-vert et le bleu-violet. Ici aussi, le gris constitue à nouveau le point central.

Illustration 7: Photo de Paul Klee (1927), roues chromatiques de Klee tirées de son manuscrit sur la théorie de la création ©Zentrum Paul Klee.

Plus tard, Klee revint sur ses premières affirmations en matière de théorie des couleurs et reformula que le mélange de blanc et de noir, c'est-à-dire le gris, n'était pas le centre de l'harmonie des couleurs, mais une "souillure". Dès lors, le gris ne faisait plus partie de son cercle chromatique.  

Les notes de Klee sur sa théorie picturale de la forme et de la création, rédigées entre 1921 et 1931 au Bauhaus à Weimar et à Dessau et comprenant environ 3900 pages, sont conservées dans les archives et accessibles en ligne au "Zentrum Paul Klee" à Berne. Jusqu'à présent, la transcription n'existe toutefois qu'en langue allemande (comme l'original).

Application dans l'art

La recherche de l'harmonie des couleurs n'a pas seulement accompagné Klee sur le plan théorique, elle l'a également inspiré pour la peinture. Il créa ainsi des tableaux abstraits sans objet sur "l'harmonie des couleurs" sous forme de trames ( illustration 8).

Illustration 8: Sélection d'œuvres de Paul Klee : de gauche à droite : Harmonie abstraite de couleurs en carrés avec des accents vermillon (1924) ©Public domain US, Nouvelle harmonie (1936).

Ce n'est pas seulement l'étude de la théorie des couleurs qui a inspiré Klee pour cette nouvelle découverte de la couleur et de la peinture abstraite non figurative, mais aussi les tableaux du peintre français Robert Delaunay, dont il n'a pu faire la connaissance que lors d'une visite à Paris.

Delaunay lui-même, se basant sur la théorie des couleurs d'Eugène Chevreul (1839), s'est risqué à la représentation picturale de l'interaction de couleurs différentes juxtaposées, le contraste simultané.

Illustration 9: Sélection d'œuvres de Robert Delaunay sur le contrast simultané, de gauche à droite : Les Fenêtres simultanées (1912), Soleil Lune Simultané 1 (1913), Les Fenêtres simultanées sur la ville (1912) ©Public domain US.

A partir de 1912 (et dans les années 1930), Delaunay s'est consacré à la peinture en couleurs pures et a créé des formes circulaires abstraites aux couleurs vives. Le style artistique créé à cette occasion par Delaunay et dérivé du cubisme - les cubistes eux-mêmes travaillaient intensivement sur le contraste complémentaire dans leurs tableaux - entre dans l'histoire de l'art sous le nom d'"orphisme".

En 1913, Delaunay a représenté le cercle chromatique en 12 parties.

Illustration 10: Autoportrait de Robert Delaunay (1905/6), cercle chromatique (cercle simultané) de Delaunay (1912/3).

Ses formes circulaires abstraites, créées dans sa série "Rythmes", s'inspiraient particulièrement de son cercle chromatique en termes de couleurs ( illustration 11). 

Illustration 11: Sélection d'œuvres de Robert Delaunay de sa série "Rhytmes", de gauche à droite : Rhythms (1932), Rhytme (env. 1932), Rhytmes (1934), Rhytmes 1 (1938) ©Public domain US.

La peinture d'Itten s'est également construite sur ses propres études de couleurs. Dans ses tableaux, il joue avec les contrastes et les dégradés de couleurs, créant ainsi un ensemble harmonieux ( illustration 12).

Illustration 12: Sélection d'œuvres de Johannes Itten, de gauche à droite : Le chanteur de Bach (Helge Lindberg) (1916), La rencontre (1916), Horizontal Vertical (1915) ©Public domain US.

Comme Itten, Wassily Kandinsky voyait des parallèles avec la musique et divisait ses œuvres en trois groupes en se basant sur la musique : Impression, Composition et Improvisation. L'objectif de sa peinture abstraite non figurative consistait fondamentalement à créer une harmonie de couleurs.

Les tableaux intitulés "Impression" ont été réalisés en s'inspirant de l'environnement et en choisissant délibérément des couleurs qui devaient intensifier la représentation. Ses "tableaux de composition" devaient exprimer un certain caractère. Comme un morceau de musique, il créait une œuvre composée de couleurs et de formes qui, lorsqu'on la regardait ou qu'on la "jouait", transmettait une expression. Kandinsky aurait également associé des instruments de musique ciblés aux couleurs. Parmi les "improvisations", il a peint des tableaux encore plus abstraits, créés sur impulsion et de manière inconsciente. (illustration 13).

Illustration 13: Sélection d'œuvres de W. Kandinsky, de gauche à droite : Impression III (Concert) (1911), Composition VIII (1923), Improvisation 27 (Garden of Love II) (1912).

Le développement de la technologie télévisuelle au 19e siècle, et plus particulièrement de la télévision couleur au début du 20e siècle, a donné naissance au système RGB, basé sur la théorie des trois couleurs. Selon la théorie des trois couleurs, tous les stimuli de couleur peuvent être formés en mélangeant trois couleurs primaires. Dans le système RGB, les couleurs de l'écran sont obtenues par le mélange partiel des lumières rouge, verte et bleue. Parallèlement au système RGB, le système HLS (H=Hue ; L=Luminance ; S=Saturation) a vu le jour. Il se base en revanche sur la disposition des couleurs d'Albert Henry Munsell, qui a créé entre 1905 et 1918 un système de couleurs tridimensionnel (espace chromatique) largement répandu et encore utilisé aujourd'hui. Son système repose sur les couleurs primaires rouge, jaune, vert, bleu et pourpre ainsi que sur la base de "l'égalité de perception". Il s'agit d'une construction dans laquelle la distance entre les couleurs est perçue comme égale. Son atlas des couleurs ("Color Atlas") voit le jour en 1915.

A la fin du 20e siècle, la proposition d'un "système chromatique planétaire" voit le jour. En 1983, Michel Albert-Vanel conçoit un système multidimensionnel, le système de couleurs planétaire, qui tient compte des effets de la perception des couleurs. Les couleurs primaires du jaune, du rouge, du vert et du bleu constituent les planètes, les couleurs secondaires leurs lunes en orbite. Aux paramètres du système HLS s'ajoutent ceux du contraste et de la matière (transparence, opacité, matité, brillance).

Le système CMN, créé trois ans plus tard, mettait en évidence les changements d'une couleur. Celui-ci a été créé sous la forme d'un tétraèdre qui illustrait l'effet de la réflexion ainsi que de la transparence sur la couleur.  

Dans l'industrie de l'impression, on connaît surtout le modèle chromatique CMYK, qui s'appuie sur les couleurs Cyan, Magenta, Jaune et noir ("key") et étudie les rapports techniques de mélange de leurs quatre couleurs de base.

Aux scientifiques et artistes mentionnés s'ajoutent de nombreux autres visages des systèmes de couleurs, dont George Field avec son cercle chromatique en forme de fleur (1846), James Clerck Maxwell avec son triangle chromatique (1855-1860), William Benson avec son cube chromatique (1868), Wilhelm von Bezold et Wilhelm Wundt avec leurs cônes chromatiques (1874, 1893), Charles Blanc avec son cercle de six triangles (env. 1879), Alois Höfler et ses doubles pyramides (1883 - 1897), Wilhelm Ostwald et ses doubles cônes (1916/17) ainsi que beaucoup d'autres, dont le contenu dépasserait toutefois le cadre de ce texte de blog, mais qui méritent néanmoins d'être mentionnés. Au début du 20e siècle, des systèmes de couleurs mathématiques plus "objectifs" viennent s'y ajouter, notamment le nuancier normalisé de la CIE (Commission Internationale d'Eclairage) (1931), l'ordre des couleurs du DIN (Institut allemand de normalisation) (1953) ou le lexique des couleurs de l'ISCC (Inter-Society-Color-Council) (1955), etc.

Depuis, le monde s'est calmé dans sa quête d'un nouveau système de couleurs et applique les modèles de couleurs modernes susmentionnés, notamment les modèles RGB et CMYK.

Les prochains textes du blog de la série Arc-en-ciel se concentreront à nouveau uniquement sur la représentation de l'arc-en-ciel dans l'art et nous ramèneront à l'époque du baroque

Bibliographie :

Müller-Hauck, J. (1971). Was die Schönheit sei, das weiss ich nicht - Künstler, Theorie, Werk : Katalog zur zweiten Biennale Nürnberg. DuMont Schauberg: Köln. 

Wagner, C (2012). Itten – Klee. Kosmos Farbe. Regensburg: Schnell & Steiner 

Liens complémentaires :

Pythagoras, Aristoteles, Platon, Colorsystem.com 

Leonardo da Vinci Notebooks, Archive.org 

https://www.gutenberg.org/cache/epub/4998/pg4998.html 

Farbsysteme in Kunst und Wissenschaft « colorsystem

https://www.colorsystem.com/?page_id=771

Unterricht Wassily Kandinsky: Bauhaus Kooperation

https://mappingklee.zpk.org/narration/#

Albert Henry Munsell « colorsystem 

Michel Albert-Vanel « colorsystem

CMN-System « colorsystem