Quand l'intérêt pour le « selfie » a-t-il commencé ?

Dans l'autoportrait, l'artiste apparaît en tant que créateur et devient en même temps son propre sujet. On assiste à une fusion de l'auteur et de l'objet, ce qui met en avant l'existence de l'individu et son individualité spécifique. Les autoportraits ont été de plus en plus produits par des artistes depuis le début de l'ère moderne, raison pour laquelle l'histoire de l'art a longtemps limité ce motif à cette époque et l'a attribué à celle-ci. A la Renaissance, on constate en effet un intérêt accru pour l'apparence des personnalités. Les premiers autoportraits remontent toutefois à l'Antiquité. Toutefois, l'intention de représentation semble avoir été différente de l'Antiquité au Moyen Âge.

Traces d'autoportraits dans l'Antiquité

Dans l'Antiquité, la personne elle-même était rarement mise en avant, l'intérêt se portant plutôt sur les divinités, les dirigeants et les figures mythologiques. En effet, contrairement à aujourd'hui, le métier d'artiste était alors considéré comme un métier, c'est pourquoi nous ne connaissons que peu de noms et que la plupart d'entre eux sont restés anonymes. Le nom était donc secondaire. En conséquence, les œuvres de l'Antiquité n'étaient que rarement signées. Certaines personnes sont néanmoins parvenues jusqu'à nous, le plus souvent par des sources écrites, tandis que les œuvres ne sont souvent pas conservées dans leur intégralité. Mais sur certains vases grecs antiques ou sur des peintures et des sculptures de l'Égypte ancienne, nous découvrons des artistes au travail. Ainsi, le premier autoportrait connu est celui du sculpteur en chef Bak, qui travaillait pour le pharaon Akhenaton (1 365 av. J.-C.). Plutarque (vers 45-125 après J.-C.) a également mentionné que le sculpteur Phidias (décédé en 430 av. J.-C.) avait placé son image lors de la « Bataille des Amazones » au Parthénon à Athènes et qu'il avait été arrêté pour cela. Nous ne savons donc que peu de choses sur la motivation derrière l'autoportrait. L'attitude de la société vis-à-vis de l'autoportrait était apparemment plutôt négative. Le crime de Phidias était donc probablement double : le Parthénon n'était pas un lieu pour les représentations humaines, et un sculpteur ne devait pas s'attribuer le mérite d'une œuvre purement divine.

Dans l'Antiquité romaine, on trouve probablement des portraits de producteurs dans les scènes de mosaïque, ce qui permet aux artisans de montrer leur savoir-faire. Dans ce contexte, il n'est pas facile de les identifier comme des représentations de soi. Il en va de même pour la motivation qui les sous-tend. Le seul nom d'un mosaïste antique que nous connaissions est celui de Sosos (2e moitié du 3e siècle ou 1re moitié du 2e siècle av. J.-C.), mentionné par Pline dans une source. Une œuvre connue de cet artiste représente le motif du sol non balayé de Pergame. Un imitateur de Sosos a signé son œuvre d'un sol non balayé du nom de « Heraklitos », qui se trouve aujourd'hui au musée du Vatican. Nous avons donc ici une signature délibérée.

Se rapprocher de Dieu : L'autoportrait au Moyen Âge

Même dans l'Europe médiévale, l'autoportrait proprement dit n'était guère répandu. Au Haut Moyen Âge, les créateurs apparaissent avec plus d'assurance dans les inscriptions dites artistiques, même si c'est sous le couvert de la foi. Mais ce sont surtout leurs mérites et leur maîtrise artistique qui devaient apporter le salut de l'âme et créer une proximité particulière avec Dieu. Pourtant, on trouve régulièrement des autoportraits dans les œuvres artistiques. Un exemple précoce est le médaillon de l'autel doré de Sant'Ambrogio à Milan, réalisé vers 840-845 après J.-C. par Vvolvinus. Dans ce médaillon, l'orfèvre se présente sur un pied d'égalité avec le donateur, mais, contrairement à l'évêque Angilbertus, il présente ses mains vides. Car son mérite est l'artisanat, c'est-à-dire l'autel lui-même. Les artisans espéraient ainsi entrer dans le royaume des bienheureux. Le talent d'artiste de Vvolvinus et son pouvoir de création lui permettent d'être proche de Dieu et doivent lui apporter le salut.

Les autoportraits dans les manuscrits enluminés étaient également très répandus. Ces manuscrits n'étaient accessibles qu'à un petit nombre de personnes, car ils étaient produits et utilisés dans et pour le monde sacré. Les scribes ou les artistes décorateurs s'y représentaient parfois en miniatures ou dans les initiales, afin de prouver qu'ils étaient les créateurs de ces éléments ou de l'écriture. Il s'agit donc d'un indice qu'il s'agit d'un autoportrait pendant l'activité. 

Parfois, le scribe et l'enlumineur étaient une seule et même personne. Il s'agissait principalement de moines dans les scriptoriums monastiques, avant que la production de manuscrits ne devienne « industrielle » et que des manuscrits soient également produits en dehors des monastères dans des ateliers d'écriture bourgeois. Certains de ces autoportraits présumés ne peuvent être attribués à aucun nom et sont donc représentés de manière anonyme. D'autres, en revanche, sont clairement identifiés par un texte à proximité, qui indique ou suggère que l'image représente l'artiste lui-même ou l'artiste elle-même. Un exemple célèbre d'un tel portrait est celui de Matthieu Paris, un moine qui vivait au XIIIe siècle au monastère de Saint Alban, près de Londres (1200-1259).

Un autoportrait connu en Europe, qui ne se trouve pas entre des pages de parchemin, mais sous forme de fresque sur un mur, est celui de Johannes Aquila du 14ème siècle (1392). Celui-ci s'est représenté en train de prier dans l'église paroissiale Saint-Martin de Martjanci, en Slovénie, où il se fait reconnaître par la signature Johannes Aquila de Rakersburga oriundus comme « Johannes Aquila originaire de Rakersburg ». Il donne également des informations sur sa formation dans un latin impeccable. Nous connaissons donc ici, outre son visage, le nom de l'artiste de la fresque de la fin du Moyen Âge, ce qui est rare.

Où commence un autoportrait ?

Mais qu'est-ce qui peut être considéré comme un autoportrait ? Certains citoyens romains de l'Antiquité ont commandé des portraits d'eux-mêmes. Par exemple sous forme de mosaïques ou de reliefs pour leurs villas ou leurs bâtiments publics, ou encore pour des reliefs funéraires commandés de leur vivant et représentant l'individu sous une forme idéalisée. Ils pouvaient donc formuler des souhaits qui étaient ensuite réalisés par un artisan. Ils avaient ainsi une influence sur leur apparence dans la représentation, même s'ils n'étaient pas les mains exécutantes. Il en va de même pour les représentations de dirigeants, notamment sur les pièces de monnaie. Pourraient-ils donc eux aussi être considérés comme des autoportraits, bien qu'ils n'aient pas eu l'entière responsabilité de leur image ?

L'autoportrait s'est longtemps inscrit dans le contexte d'une œuvre globale plus vaste, consacrée principalement à l'art religieux ou seigneurial. Au cours de la professionnalisation du métier, où la personne de l'artiste est devenue de plus en plus importante et a contribué à déterminer la valeur marchande, sa propre conception a également changé. De plus en plus d'autoportraits ont été réalisés, dans lesquels les artistes se mettaient en scène et s'essayaient. Aujourd'hui, les autoportraits sont des représentations de l'artiste et situent son statut de maître dans le contexte de l'histoire.

Développement à la Renaissance

Mais parfois, il s'agissait d'une simple nécessité. La célèbre artiste de la Renaissance Artemisia Gentileschi, par exemple, s'est probablement peinte elle-même en partie parce que les modèles étaient chers et que, pendant un certain temps, il était interdit de peindre des nus. Son propre corps et son propre portrait étaient alors la seule alternative. Mais il existe aussi des autoportraits d'elle qui mettent clairement l'accent sur sa conscience de soi en tant qu'artiste. C'est le cas par exemple de son allégorie en tant que peinture, dans laquelle elle se représente avec des cheveux sauvages et où l'allégorie n'est donc plus à comprendre en tant que telle, mais va également au-delà. L'autoportrait peut donc être utilisé de différentes manières et ne doit pas nécessairement servir à une idéalisation de soi.

L'un des autoportraits les plus faciles à retenir, les plus connus et les plus pertinents est sans doute celui d'Albrecht Dürer. Il représente l'artiste grandeur nature, vu de face, s'adressant directement au spectateur ou aux spectateurs. Jusqu'à présent, cette vue n'était utilisée que pour Jésus-Christ ou certains dirigeants. Ainsi, Dürer s'inscrit courageusement et avec assurance dans la noblesse et élève le statut de son métier d'artiste, considéré jusqu'alors comme un métier d'artisan. Il nous montre ainsi de manière démonstrative sa main qui met en œuvre ses idées et produit des œuvres d'art. Il porte pour cela un manteau de fourrure, également un signe de noblesse, qui était jusqu'alors réservé à cette classe sociale.

Dans les portraits, il existe toujours un lien avec les représentations de la vie et de la mort. Nous le voyons de manière particulièrement impressionnante dans les portraits de momies de l'époque égyptienne et hellénistique. Bien qu'il ne s'agisse pas d'autoportraits, ils nous montrent comment la pratique de l'autoportrait est liée à la fugacité de la vie et était fermement ancrée dans une pratique culturelle. Ces portraits ont été réalisés à partir du 1er siècle jusqu'au milieu du 3e siècle environ après J.-C. et montrent généralement la personne de face, en buste ou en tête. Ils étaient apposés sur les momies et représentaient les défunts dans l'au-delà. Cette technique permettait donc de conserver les traits du visage pour l'éternité. L'autoportrait de Dürer, ainsi que de nombreux autres autoportraits, s'inspirent de ce désir de se fixer pour l'éternité et de rester en mémoire. C'est donc une fonction de l'autoportrait pour les artistes. Mais il montre aussi le talent et les possibilités de l'art de reproduire fidèlement la nature, ainsi que de rapprocher le passé par l'art.

Le miroir, garant de la réalité ?

Les artistes ne pouvaient se représenter avec autant de précision qu'à l'aide d'un instrument : Le miroir. L'Autoportrait au miroir convexe de Parmigianino (1523/24) montre le jeune artiste dans l'objet dans lequel il se voit et à travers lequel il peut se reproduire. L'autoportrait, sous la forme du trompe-l'œil, est très proche de la réalité et des conditions de fabrication. Le Parmigianino fait ainsi la démonstration de ses capacités. Le miroir sert d'une part aux créateurs d'art comme « [...] instrument de connaissance et de connaissance de soi [...] » (Pfisterer et von Rosen, p. 50), mais d'autre part, il n'est pas vrai, car il intervertit les côtés, agrandit ou réduit, déforme en même temps et déforme donc aussi la vérité. Le miroir est donc ambigu et, par conséquent, les possibilités de se représenter soi-même le sont également. Il invite à l'introspection et à l'interrogation de soi, mais peut aussi montrer le caractère artificiel de l'image et ouvrir ainsi un terrain de jeu.

Les multiples possibilités de l'autoportrait

Dans la peinture, on peut observer de nombreux autres exemples qui montrent et identifient les artistes dans leur activité, et qui restent ainsi à jamais visibles pour la postérité, tout en permettant d'approcher les mystères insolubles de la personne représentée. On trouve également des exemples dans d'autres médias, comme la sculpture. L'autoportrait d'Adam Kraft (vers 1500) en grès, qui se trouve dans le chœur Saint-Laurent à Nuremberg, ou le buste de l'architecte de la cathédrale Peter Parler, également en grès et visible dans la cathédrale Saint-Guy à Prague, sont de tels exemples. Dans ces cas, les objets sont liés à l'architecture et doivent être placés dans ce contexte. Mais il existe également des œuvres dans lesquelles l'artiste se représente en tant que sculpture, indépendamment de l'architecture. La sculpture de Bertel Thorvaldsen, légèrement plus grande que nature, se tient par exemple debout, sûre d'elle et les jambes écartées, et nous montre ses instruments de travail, tandis qu'il travaille en même temps sur une sculpture féminine et nous montre son travail.

La reproduction exacte du portrait est aujourd'hui encore une méthode très appréciée. Mais une personne peut-elle aussi s'immortaliser sans son image exacte ? Dürer n'était pas le seul à peindre des objets étroitement liés à son corps, qui peuvent être considérés comme une autre manière de se mettre en scène. Tout comme l'oreiller de Dürer, les chaussures de Vincent Van Gogh (1886) en étaient un exemple. Les chaussures usées sont souvent comprises comme un autoportrait caché de l'artiste. De tels substituts, détachés du corps direct, étaient répandus dans l'art vers 1800.

L'apparition de la photographie a rendu possible une nouvelle méthode de mise en scène, précise et rapide, sans l'aide obligatoire d'un miroir et d'une longue observation. C'est ainsi que Claude Cahun ou Lee Miller se mirent eux-mêmes en scène devant la caméra et thématisèrent entre autres des idées d'amour propre, indépendamment du regard masculin. Meret Oppenheim s'est montrée sous forme de radiographie en 1964. Complètement livrée, nous voyons l'intérieur de son corps et découvrons une nouvelle réalité. Mais ce nouveau regard est aussi un voile. Outre Meret Oppenheim, d'autres artistes ont joué avec les nouvelles techniques. Chez Jeff Wall (Doppelselbstporträt, 1979), sa propre personne se dédouble dans la photographie, tandis que Gerhard Richter obscurcit à nouveau la photographie nette et apparaît ainsi comme une surface de projection (Hofkirche, Dresde, 2000). L'artiste Felix Gonzalez-Torres, qui a réalisé ce qu'il appelle des « portraits écrits », a travaillé de manière très différente. Comme chez Van Gogh ou Dürer, il ne montre pas l'apparence extérieure d'une personne, mais va encore plus loin. Dans un langage visuel non figuratif, il ouvre une nouvelle forme de représentation. Dans cette installation, l'écriture devient l'objet de l'image, révélant des informations sur la personne. Celles-ci pourraient-elles même être plus précises qu'une image de la personne ? L'artiste stimule ainsi l'imagination d'une personne et, en même temps, il renvoie les mots à la personne qui les regarde.

L'autoportrait : miroir du moi et du monde extérieur

Le média détermine donc également les questions et les réponses qu'un autoportrait nous livre sur une personne. Il est donc difficile de répondre à la question du soi, même pour les créateurs des images. L'être humain semble trop complexe. Les artistes ont donc le pouvoir de créer des images et des réalités, mais en même temps, leurs œuvres sont exposées au regard extérieur et donc à l'évaluation de l'extérieur. Les autoportraits établissent un lien humain et permettent d'explorer non seulement le moi de la personne représentée, mais aussi notre propre moi. C'est donc ce qui semble faire la beauté et la fascination de l'autoportrait.