Arc-en-ciel #3 - De la fin du Moyen Âge au début de la Renaissance

L'arc-en-ciel en référence à l'Ancien Testament

Nous continuons donc à voyager dans l'espace et le temps, en suivant les traces de lumière de l'arc-en-ciel. Plus précisément, nous remontons le temps jusqu'à la fin du Moyen Âge et au début de la Renaissance. C'est en effet à cette époque que la signification de l'arc-en-ciel s'est lentement détachée de l'histoire du déluge de l'Ancien Testament pour devenir un motif chargé de symboles et présent dans de nouveaux contextes. L'arc-en-ciel est ainsi apparu dans des représentations du Christ en pantocrator. Ce type d'image a remplacé les représentations de la Maiestas Domini aux 13e et 14e siècles. La mandorle typique des Maiestas Domini, avec le Christ trônant sur l'arc-en-ciel, a été reprise comme élément central dans les représentations de pantocrator. La mandorle est un bouclier de lumière divine en forme d'amande qui enveloppe le Christ. Dans le contexte de ces représentations, le déluge, après lequel l'arc-en-ciel est apparu dans l'Ancien Testament, sert de préfiguration au futur jugement dernier. En associant les mandorles aux arcs-en-ciel, l'iconographie des deux éléments est devenue fluide et les frontières nettes se sont dissoutes, la mandorle apparaissant désormais dans les couleurs de l'arc-en-ciel. La diversité avec laquelle la lumière divine pouvait être représentée semblait également particulièrement séduisante pour les artistes du début de la Renaissance. En effet, l'arc-en-ciel englobe l'ensemble du spectre de la lumière divine qui, selon la foi chrétienne, entoure tout et pénètre en nous. Mais les différentes couleurs y sont également réunies de manière conciliante. Il est ainsi fait allusion à la lumière qui doit apparaître après le Jugement dernier. Quels sont donc les thèmes picturaux et les œuvres de la phase de transition entre la fin du Moyen Âge/gothique tardif et la Renaissance que nous connaissons ? À l'aide de quelques exemples remarquables, nous explorons la large interprétation de ce thème.

Le Christ sur le trône arc-en-ciel

L'œuvre majeure du maître de l'Italie ancienne et précurseur du Rinascimento italien, la Renaissance, Giotto di Bondone (1267 ou 1276 à 1337), est un excellent exemple du motif du Christ en tant que souverain du monde.

La fresque sur le mur ouest de la chapelle des arènes montre le Jugement dernier avec le Christ en juge du monde trônant sur un arc-en-ciel, entouré d'une mandorle arc-en-ciel irisée, dont les couleurs semblent encore plus nuancées que le dégradé de couleurs du trône arc-en-ciel lui-même. Giotto a peint les murs de la Cappella degli Scrovegni à Padoue entre 1304 et 1306. Le champ pictural en dessous du Christ se divise en bien à gauche et en mal à droite par la croix, en bienheureux et en damnés, en paradis et en enfer, tenus par les archanges Michel et Raphaël. L'horizontale est formée par les apôtres trônant de part et d'autre de la mandorle, au-dessus desquels viennent les armées célestes. L'ancien ciel et les astres sont enroulés à partir de la voûte en berceau. Alors que la partie supérieure représente l'ordre, la partie inférieure montre le chaos. Dans sa mandorle aux plumes mosaïques, le Christ en trône accomplit le geste de rejet et d'accueil. Grâce à la lumière divine, soulignée par l'incidence de la lumière de la fenêtre au-dessus, les frontières de Dieu, qui s'est fait homme en Christ, s'estompent ainsi. La lumière arc-en-ciel de Dieu qui entoure le Christ sert de signe de rappel de l'alliance. Il exhorte Dieu à tenir sa promesse après le déluge et à dompter sa puissance.

Reproduction naturaliste de l'arc-en-ciel

Giotto est connu pour sa manière de peindre inédite à l'époque, qui représentait l'homme et la nature de manière inhabituellement naturaliste. Ce détachement du langage pictural byzantin strict a été précédé dès l'époque romane par des avancées douces qui ont lentement ouvert la voie aux paysages purs. La prospérité de l'Italie à cette époque a également influencé les commandes. Les commanditaires continuaient certes à souhaiter des œuvres avec des motifs religieux, mais ceux-ci étaient désormais associés à des préférences profanes. La reproduction plus exacte de la nature devait cependant occuper encore plus intensément les générations d'artistes à venir, sous l'impulsion de Giotto. Mais le changement vers une reproduction fidèle de la nature est déjà observable dans la chapelle de l'Arena. Ainsi, les couleurs de l'arc-en-ciel se fondent imperceptiblement les unes dans les autres. La fresque est ainsi considérée comme l'une des premières représentations dans lesquelles les couleurs ne sont pas seulement représentées sous forme de bandes discrètes, mais sont reproduites presque fidèlement dans l'arc de la mandorle, du rougeâtre à l'orangé jusqu'au bleuâtre. Seule une bande blanche supplémentaire est visible au centre, qui se fond doucement dans les autres couleurs. La tradition picturale, c'est-à-dire artificielle, est ainsi mise en évidence, car l'arc-en-ciel n'a pas été reproduit de manière totalement réaliste. On ne sait pas exactement comment Giotto a étudié l'arc-en-ciel et à quel point la reproduction fidèle était importante pour lui, bien que son intérêt pour les sciences naturelles soit connu. L'artificialité est en outre soulignée par l'absence de lumière et d'ombre dans toute la fresque. La source de lumière est le Christ, qui produit donc aussi l'arc-en-ciel. La mandorle multicolore représente un bouclier d'où jaillit un jet de feu vers l'enfer. Les flammes, qui se divisent en quatre courants de feu, emportent les damnés avec elles, à la rencontre des diables. L'arc-en-ciel est donc à la fois le bouclier divin des sauvés et l'otage des damnés. La fresque symbolise ainsi le fait que le divin est immanent en toute chose.

L'arc-en-ciel dans le culte marial

L'association de l'arc-en-ciel et de la vénération de la Vierge Marie est une particularité motivique des 13e et 14e siècles, surtout dans la mystique. La référence au jugement se dissout alors. Marie servait de refuge aux pécheurs, tout comme l'arche était un havre de paix pour les élus. Celui qui se joint à l'Église de Marie trouve donc le salut. C'est ce qu'écrivait Bonaventure (1221-1274) :

Il y a dans l'arc-en-ciel une couleur bleue, qui correspond à la nature de la virginité, et aussi une couleur rougeâtre, qui caractérise la forme de l'amour ; celle qui est aqueuse indique le monument de ta pureté et de ton humilité, que Dieu a choisies en toi. On te reconnaît comme un arc-en-ciel dans les nuages du ciel, toi qui nous illumines, qui donnes à tous les malheureux des modèles de mœurs. Tu mets fin à toutes les hérésies et tu détruis les hérétiques, en Christ, puisque tu réunis les deux natures en même temps. Arc-en-ciel invincible, arc-en-ciel puissant, arc-en-ciel fort, arc-en-ciel doux et suave. Arc ouvert aux portes du ciel. (Behling, p. 14)

Les représentations picturales de ces interprétations sont toutefois rares. L'œuvre la plus tardive et sans doute la plus connue de ce genre est la "Stuppacher Madonna" de Matthias Grünewald (1519), dans laquelle l'arc-en-ciel en arrière-plan entoure la tête de Marie.

La prédication est chargée de symbolisme

Mais l'arc-en-ciel apparaît également dans des scènes d'annonciation. La Renaissance du Nord, également marquée par sa prospérité, a justement tenté de parsemer les œuvres d'art d'innombrables symboles tirés de la Bible. C'est le cas de l'Annonciation de Jan Van Eyck (1390-1441). L'archange Gabriel, richement vêtu et paré, apparaît ici devant Marie avec des ailes colorées assorties.

Le maître ancien flamand a peint cette huile, probablement autrefois l'aile gauche d'un triptyque, entre 1434 et 1436. L'événement biblique important avec le début de la vie humaine du Christ et l'incarnation du Sauveur, associé à l'arc-en-ciel, renvoie à la rédemption de l'humanité par sa mort et sa résurrection. Une grande importance symbolique est attribuée à la lumière divine dans toute l'œuvre. Sept rayons se dirigent vers Marie à travers une fenêtre, précédés par la colombe du Saint-Esprit. L'arc-en-ciel présente également sept dégradés de couleurs. Le chiffre sept est à bien des égards un nombre important dans la numérologie chrétienne. Dans le contexte du Saint-Esprit, il relie l'Ancien et le Nouveau Testament. Dans l'Ancien Testament, il symbolise la perfection et le début de l'histoire de la création. Dans le Nouveau Testament, ce sont les Sept Dons et, dans l'Apocalypse, le rouleau aux sept sceaux qui contient les dispositions divines pour la fin du monde. Les ailes de l'arc-en-ciel sont en outre ornées de plumes de paon, symbole du paradis et de l'immortalité. Elles font ainsi référence à la résurrection, au renouveau et au jugement dernier. Cette combinaison de l'arc-en-ciel et des plumes de paon est une nouveauté dans les scènes d'annonciation. D'une part, il est fait référence ici aussi à l'alliance de Dieu dans la Genèse, ainsi qu'à Jean 4,3, avec le Christ qui jugera sur le trône de l'arc-en-ciel et qui purifiera la terre à la fin. Tu en apprendras plus à ce sujet dans le deuxième blog arc-en-ciel.

L'Ancien et le Nouveau Testament sont ainsi reliés et le rôle du Christ en tant que sauveur est redoublé. Les ailes de Gabriel renvoient en outre à son rôle d'intercesseur pour le monde au moment du déluge. Van Eyck fait ainsi de l'archange un symbole à la fois du début (alpha) du Nouveau Testament et du ministère du Christ, puisqu'il est l'annonciateur de sa naissance prophétique, et de la fin (oméga) du Nouveau Testament, du ministère terrestre du Christ et de son rôle de juge au jour du jugement dernier. Les ailes colorées soulignent donc son rôle futur et annoncent sa résurrection et son retour.

Un autre maître italien et l'Annonciation

Une célèbre fresque de Fra Angelico (1395-1455), peintre du début de la Renaissance, qui se trouve dans le couloir nord de San Marco à Florence et qui fait partie d'un cycle de fresques, montre également de manière poétique l'Annonciation à Marie (vers 1450). Ici aussi, on remarque les dégradés de couleurs des ailes des anges.

Ils symbolisent et incarnent à la fois la "splendeur de la lumière divine qui rayonne dans l'image" (Gottlob 2002, 231). L'ange, en tant que messager venu du ciel, apporte la lumière sur la terre et donne un aperçu de cette divinité qui entoure désormais aussi Marie et le Christ. Ici aussi, l'architecture joue un rôle de soutien à différents niveaux. Entre autres, l'incidence de la lumière de midi de la fenêtre dans le couloir où se trouve la fresque éclaire celle-ci exactement de cette direction - et ce, à l'endroit de la fresque d'où provient la lumière divine. Le mystérieux extérieur est ainsi visible et redoublé par la lumière dans l'image, mais ne peut cependant jamais être entièrement dévoilé, car le regard est aussitôt à nouveau masqué par la matérialité de la peinture.

La couleur "renvoie à l'événement inimaginable, irreprésentable, qui signifie à la fois le début et la fin de l'histoire" (Gottlob 2002, 232). Ce que nous saisissons du mystère nous est aussitôt retiré, c'est un va-et-vient entre la forme et l'informe (cf. Gottlob 2002, 212). L'ange est donc un passeur de seuil. En conséquence, il se trouve deux fois avec ses ailes près du bord, picturalement entre l'espace intérieur du portique et l'espace extérieur dans le tableau lui-même, mais aussi physiquement entre le champ du tableau et la maçonnerie sur laquelle la fresque a été peinte. Ainsi, le mystère nous échappe à nouveau, ce qui stimule l'imagination et la méditation.

Les ailes présentent toute la palette de couleurs qui apparaît dans le tableau lui-même, à l'exception de la couleur noir-bleu du vêtement de Marie. L'informe de la couleur pure incite à cette contemplation. L'"immaculée conception" de Marie elle-même, tout comme la scène de l'Annonciation, représente le mystère, la présence et l'absence du divin dans ces moments-là. Il en va de même pour les ailes de Gabriel aux couleurs de l'arc-en-ciel. L'ensemble de l'œuvre incarne le "mystère de l'incarnation, dans laquelle le Verbe de Dieu se fait chair". (Gottlob 2002, 208) Toutes ces délimitations indiquent la "frontière entre le paradis perdu et la terre" (Gottlob 202, 215). La fine application de peinture de la fresque souligne ces limites et fait apparaître les ailes des anges comme des traces du divin. L'acte de peindre fonctionne donc ici entre parole et visualisation. Dans le contexte de la foi chrétienne, l'amour, mais aussi le désir et la tristesse sont ainsi exprimés, tout comme la vulnérabilité qui oscille entre la création et le vide et symbolise la foi.

Comment continuer avec l'arc-en-ciel ?

Le dégradé de couleurs de l'arc-en-ciel a été utilisé de diverses manières. À partir de la Renaissance, la mandorle a parfois été complètement supprimée dans le motif du Pantocrator, de sorte que la représentation de l'alliance divine était désormais dominée par la scène du sacrifice d'action de grâce. C'est le cas par exemple de la fresque du plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange (1508-1512). La connaissance du contexte et du lien entre ces événements n'avait pas disparu pour autant. De plus, l'arc-en-ciel est devenu de plus en plus un signe de salut pour "Dieu avec nous". Ce symbole et cette signification ont donc pu être appliqués à une palette d'autres thèmes en tant qu'inspiration typologique, par exemple pour des sujets tels que le "salut des Juifs lors du passage de la mer Rouge" (62) Mais tu en apprendras plus à ce sujet dans les prochains blogs.