La forêt. De sa perception en tant qu'espace sauvage, mystère et lieu idyllique, jusqu'à la ressource qu'elle représente.

Remarque : les termes techniques sont indiqués en italique lorsqu'ils sont mentionnés pour la première fois et expliqués dans un glossaire à la fin du texte.

L'importance de la forêt reflétée dans l'art

"[...] Et j'écris que je suis très heureux et que je serais heureux si tu étais ici, car dans les forêts il y a des choses auxquelles on pourrait réfléchir pendant des années, couché dans la mousse". (Franz Kafka, carte postale adressée à Max Brod de Spitzberg en Šumava, 18 septembre 1908).

Franz Kafka a écrit ces lignes à son ami Max Brod en 1908. La forêt inspirait l'auteur et provoquait en lui du bonheur et un sentiment d'appartenance à la nature. Mais la forêt permet également d'autres émotions et associations. Elle est mystique, féerique, dangereuse, sauvage, vigoureuse, transfigurée, solitaire, idyllique, naturelle, un obstacle, un royaume animal, un lieu de retraite et de nostalgie, et menacée par l'exploitation et la destruction. La liste est longue.

Selon le contexte historique, l'espace naturel de la forêt avait une connotation positive ou négative, car son importance et sa fonction changeaient aussi souvent dans la société que les couleurs des arbres en automne. Les modes de représentation dans l'art sont donc toujours l'expression de cette relation entre l'homme et la nature à un moment donné. Il est clair que la forêt marque l'homme jusqu'à aujourd'hui par sa présence quasiment incontournable.

Si nous nous imaginons la forêt européenne de Kafka, il y voyait probablement beaucoup de grands arbres, ornés de feuillages épais et de conifères, mais aussi des chemins forestiers sinueux qui le faisaient s'enfoncer toujours plus profondément dans la forêt. Mais ce qu'il ressentait alors reste son secret.

Aujourd'hui, la forêt nous fait penser au calme et à l'idylle. Il n'en a pas toujours été ainsi. Pendant longtemps, la forêt a été pour l'homme quelque chose d'infranchissable et donc de sauvage, loin de la civilisation, ce qui permettait justement aux bandits de grand chemin d'attaquer les voyageurs. Pour ces raisons, elle était souvent perçue comme un lieu de danger. Pour l'ermite du début du Moyen Âge, la forêt offrait en revanche la solitude recherchée, principalement pour des motifs religieux. Pour les voyageurs, elle représentait non seulement un danger, mais aussi un obstacle, car les routes traversant les forêts européennes n'existaient pas encore jusqu'au 18e siècle. Ce n'est qu'ensuite que la nature sauvage est devenue de moins en moins dangereuse grâce à un réseau de chemins et s'est rapprochée de l'espace culturel. Cependant, elle n'était toujours pas sans danger, car elle était l'habitat d'animaux sauvages comme le loup ou l'ours. L'idée de la forêt comme lieu idyllique et calme de force et de repos est récente et a surtout été mise en avant depuis l'industrialisation, lorsque les villes et l'industrie ont de plus en plus empiété sur le monde naturel pour se servir des ressources en bois et en terre. Dans l'art, la forêt est donc passée inaperçue et a été représentée avec réserve. Cela s'est traduit par le fait qu'elle a toujours été peinte comme un accessoire et jamais comme un motif à part entière. La plupart du temps, les éléments végétaux étaient représentés de manière grossière et schématique dans les fresques et les enluminures, comme décoration ou dans l'architecture, par exemple sur les chapiteaux. Il s'agissait le plus souvent de plantes isolées, qui avaient une fonction symbolique ou décorative pour l'ensemble de l'œuvre, ou qui faisaient référence à un espace paysager global. Toutefois, il y avait là aussi des exceptions impressionnantes.

Dans le domaine de l'enluminure, il convient de mentionner le "Livre de la chasse". Cet ouvrage de la fin du Moyen Âge a été illustré de miniatures en 1407. 

L'environnement des animaux représentés y était reproduit de manière détaillée et différenciée, de la forêt de montagne à la forêt de conifères en passant par la forêt de feuillus. Mais là aussi, les plantes avaient surtout une fonction ornementale, sans aucun espace de profondeur. La forêt était donc toujours subordonnée au contexte du récit en tant que décor. Les représentations ne transmettaient donc pas non plus de contenus et de représentations d'un espace naturel déterminé et fermé.

Dans le gothique italien et au début de la Renaissance, la forêt représentée, par exemple sous la forme d'une juxtaposition d'arbres isolés, a pris un peu plus de place, mais elle est restée un phénomène marginal.

Ce n'est qu'à partir du 18e siècle et avec la peinture de paysage en Europe occidentale que la forêt a été lentement découverte comme sujet, encouragée par la sécularisation. L'art d'Europe de l'Est s'en tint encore un peu plus longtemps aux prescriptions iconographiques. Les espaces culturels d'Asie orientale, dont l'art s'est répandu en Europe grâce aux nouvelles liaisons commerciales, ont en outre exprimé une conception de la nature différente de celle de la peinture occidentale, comme par exemple la peinture littéraire chinoise ou les gravures sur bois japonaises et chinoises, et ont influencé l'art européen.

Un lent changement de signification

Après avoir longtemps représenté l'environnement vierge de l'homme, et donc schématique, stylisé et chargé de symboles, la forêt a lentement changé de signification et a été représentée de manière de plus en plus réaliste. Cette reconnaissance tardive s'explique aussi par le fait qu'il était tout simplement plus facile de représenter un paysage vaste et ouvert qu'un monde arboré fermé, confus et dense. C'est sans doute pour cette raison que la forêt n'a pas été représentée plus précisément comme un lieu de danger. Sa signification purement symbolique et métaphorique a en outre longtemps été plus importante : dans les motifs chrétiens, elle servait à suggérer le paradis ou la nature sauvage, qui ne devaient être représentés que sous une forme abrégée caractéristique. La forêt représentée encourageait aussi souvent le recueillement méditatif (meditatio) pour soutenir la compréhension de l'histoire centrale. Elle ne devait donc que renvoyer, souligner le motif central en tant que décor et servir de contraste.

Vers 1500, la compréhension de la forêt a changé. L'intérêt pour la nature s'est accru à cette époque, notamment sous l'influence de la peinture néerlandaise ainsi que de l'ouvrage Germania Generalis de Conrad Celtis, dans lequel la forêt n'était plus décrite comme une contrée sauvage et un lieu de danger, mais comme un lieu de liberté et un paysage qui structurait l'Empire allemand. Les personnes qui vivaient dans la forêt, appelées "gens sauvages", étaient décrites comme honnêtes et simples. Ils servaient de modèles, car ils ne se laissaient pas influencer par des objets mondains. La retraite dans la forêt était désormais perçue comme noble, alors que les personnes vivant dans la civilisation étaient considérées comme dépravées. La forêt est donc devenue un lieu transfiguré. 

C'est également à cette époque que le défrichement de surfaces boisées comme matière première pour l'industrie minière et métallurgique s'est intensifié, ce qui a nécessité une réglementation toujours plus stricte du bien commun qu'est la forêt et de l'utilisation du bois qui s'y trouve. Dans la peinture, la forêt continua cependant à être utilisée pour des représentations en clair-obscur de motifs religieux ou mythologiques - des groupes de saints sont éclairés par la lumière, tandis que la forêt apporte l'obscurité et le regard se tourne ainsi automatiquement à nouveau vers le motif principal.

Mais la représentation de la forêt s'est de plus en plus détachée de ce type d'image de dévotion. C'est ce que montrent par exemple les gravures d'Albrecht Dürer ou les travaux de l'école dite du Danube, comme le tableau "Donaulandschaft mit Schloss Wörth" (Paysage danubien avec château de Wörth) d'Albrecht Altdorfer, qui peut peut-être être considéré comme le premier tableau de paysage pur, car il ne comporte aucun personnage humain. 

La forêt apparaissait désormais comme autonome et donc digne d'art, même si de petites figures humaines étaient encore souvent intégrées dans le paysage.

Ce qui est remarquable dans ce tournant, c'est l'individualisation de la forêt. Elle s'est détachée de ses connotations de nature sauvage, d'inhabité ou de référence au paradis. Elle a pris une nouvelle signification en tant qu'alternative à la ville et au quotidien, ce qui s'est manifesté au 17e siècle dans la peinture de genre de la "nature morte en forêt", un genre à part entière venu de Hollande. La forêt n'était cependant toujours représentée que de manière allusive, sous forme d'extraits de forêt. On y montrait à l'horizon des décors urbains entourés d'une nature plate, ou la mer et son étendue, conditionnée par la nature de la Hollande, qui n'était que peu marquée par la forêt. 

La forêt se charge de sentiments nouveaux mais aussi dangereux

Comme il ressort déjà de l'article de blog "Les fleurs dans la peinture", la nature a été revalorisée par la sécularisation de l'Europe. L'Église et les monarques ont perdu de leur influence suite aux Lumières et aux révolutions, ce qui a permis aux commanditaires de se redéfinir et de commander de nouveaux contenus picturaux. Toutefois, il s'agissait encore loin d'un espace naturel complet et autonome, comme le révèlent des titres de tableaux tels que "Paysage avec forêt" ou "Paysage boisé". Les paysages n'étaient toujours pas représentés dans leur ensemble, directement et sur place. Au contraire, certains aspects ont été recomposés dans l'atelier sous forme de croquis et de notes. Mais la différence était que les conditions de la situation et l'expérience personnelle étaient intégrées dans l'œuvre. Ces expériences devaient être reproduites de manière précise et logique, comme dans l'œuvre romantique bien connue de Caspar David Friedrich "Le Chasseur dans la forêt" de 1814. 

L'époque" variée du romantisme a dissous les ordres de composition et de perspective, car la forme globale est devenue plus libre et a véhiculé des éléments émotionnels et subjectifs. La nature était désormais une source d'inspiration. Cependant, l'étiquette de représentation du paysage idéal était toujours présente. 

Le romantisme se caractérise par l'importance accordée à la nature. La nature était considérée comme un refuge pour l'âme. La forêt a reçu plus d'espace, tout en étant chargée de sensations et de symboles, comme c'était le cas par exemple dans les contes. Dans la littérature, la forêt a été élevée au rang de lieu de nostalgie et de retraite. Cela a conduit à une romantisation de la forêt, qui éveillait désormais des sentiments de nation et favorisait une conscience identitaire. En se référant à l'Antiquité et au Moyen Âge, la forêt était considérée comme l'origine des "Allemands". Cela a également influencé l'art national-socialiste ultérieur. L'objectif était d'obtenir une représentation réaliste de style classique, accompagnée d'un caractère idyllique qui devait souligner le sentiment d'appartenance à la patrie. Ces images orientées vers la "forêt allemande" devinrent une identification commune. C'est également le cas d'Anselm Kiefer dans l'art informel des années 1950, qui tentait ainsi de thématiser le passé national-socialiste et d'élucider l'origine de ce langage symbolique.

Ce n'est donc que tardivement au 19e siècle que la forêt est devenue un motif pictural central. C'est surtout avec l'apparition de la peinture en plein air que la nature a pris de plus en plus d'importance en tant qu'objet autonome digne de l'art et en tant que lieu d'expérience. On peut citer ici William Turner, Alexandre Calame, son élève Friedrich R. Zimmermann ou les artistes qui se sont réunis à Barbizon, pour ne citer qu'un seul endroit (en savoir plus sur les "colonies d'artistes").

Grâce à cette nouvelle manière de peindre, les artistes ont découvert la forêt. Des sentiers forestiers la rendaient accessible, ce qui permettait de peindre des endroits remarquables comme certaines grottes, des groupes de chênes, des gorges ou des clairières. Ainsi, l'atmosphère qui régnait dans les profondeurs de la forêt était également au centre de l'attention. Cela est particulièrement évident dans les titres des tableaux qui s'intitulent désormais "lisière de forêt" ou "clairière dans la forêt"". L'homme et ses habitations disparurent également des représentations. Il en résulte un contraste avec la ville industrialisée et technicisée, un retour à l'"authenticité". Les représentations de paysages se trouvaient ainsi également à la croisée des chemins entre le progrès de la peinture et le bien-être personnel, favorisé par le retrait dans la nature. L'immersion dans la forêt favorisait - comme dans le romantisme - son mystère. 

La forme nouvelle et éphémère de la peinture, conditionnée par des conditions de lumière changeant rapidement, a atteint son apogée avec l'impressionnisme. La libération de la peinture a généré de nouvelles idées sur l'essence des choses, ce qui a permis le développement d'une large palette de mouvements d'avant-garde. La forêt s'est détachée d'une reproduction analytique/naturaliste. On peut penser à Max Ernst ou Ernst Ludwig Kirchner. L'accent était désormais mis sur la forme, la couleur, le mouvement, les possibilités de vue ou les impressions. Si nous repensons aux images du national-socialisme, celles-ci semblent anachroniques et rétrogrades en comparaison.

Nouvelles formes d'expression à l'époque moderne

Après cette rupture dans l'art, le détachement de la peinture et de la forme s'est poursuivi à partir des années 1960. L'art abstrait et le minimalisme ont fait leur apparition. Désormais, les références à la forêt ne se font plus qu'à l'aide du langage ou de matériaux symboliques, comme par exemple l'art conceptuel. Les objets liés à l'industrie et à l'utilisation du bois ne font plus référence qu'à la forêt. Parmi les exemples les plus connus, citons le "Wrapped Tree" (1968) de Christo, le "Dead Tree" (1969) de Robert Smithson, le "Ripetere il bosco" (répéter la forêt) de Giuseppe Penone, mais aussi des photographies et des films comme le travail de Nancy Holt "Pine Barrens : Trees" (1975). Ce qui frappe ici, ce sont les arbres abattus sans feuilles, les branches réduites à l'état de matière "morte", debout ou couchées dans une pièce ou dans un paysage aride. L'homme prend ce dont il a besoin. La forêt se représente dans l'art moderne comme une ressource et un bien rapportant du capital, à partir d'une aliénation de la forêt : les produits issus de la matière première qu'est le bois ne sont plus associés à leur origine.

Les petites maisons-sculptures de Beverley Buchanan, qu'elle a appelées "Shacks" (en français "cabanes") et qu'elle a réalisées à partir des années 1980, fonctionnent également comme des références. Outre la matière première qu'est le bois, dont sont faites les simples habitations américaines du Sud, elles attirent également l'attention sur des situations sociopolitiques réelles. En même temps, elle renvoie à l'habitat en bois de manière générale : l'homme utilisait déjà ce matériau pour habiter il y a plus de 10 000 ans. Joseph Beuys, membre fondateur des Verts en