Sur les traces de #2 Egon Schiele et Judit Flamich

Rudolf Leopold, ophtalmologue de profession, était un collectionneur passionné de tableaux d'Egon Schiele. Il recherchait de manière presque maniaque les œuvres de Schiele, qu'elles représentent des paysages ou des personnes. Leopold s'est ainsi constitué une énorme collection du vivant de l'artiste. Aujourd'hui, cette collection fait l'objet d'une exposition permanente au Leopold Museum de Vienne. Lors d'une visite de l'exposition permanente "autour de 1900", j'ai remarqué une certaine division des œuvres selon leur genre et leur degré de notoriété, ce qui m'a fait réfléchir.

Egon Schiele est associé en premier lieu à ses dessins de nus expressifs, extrêmement provocants pour l'époque et pourtant très modernes, ce qui le désigne comme l'un des premiers représentants de l'expressionnisme autrichien. Il est interprété comme un génie qui transcrit ses désirs psychologiques et sexuels dans son art au moyen d'une gestuelle éruptive et extrême.

Son œuvre comprend cependant un nombre étonnamment élevé de paysages pour un artiste qui s'intéressait principalement à la perception du corps humain. Chez Schiele, ces deux genres se fondent l'un dans l'autre de manière subtile, dans la mesure où ses paysages présentent généralement un mélange harmonieux d'une vision autrichienne de la nature et d'arbres au caractère anthropomorphique. Dans les paysages de Schiele, on constate une absence absolue de figures humaines, l'aspect humain étant représenté par l'interprétation allégorique de la végétation. Schiele assimile surtout les arbres à l'homme et à sa révolte intérieure face à l'isolement, à l'impuissance et au danger existentiel.

Schiele commence sa carrière artistique avec des peintures naturalistes, puis impressionnistes, qui fonctionnent encore comme une simple représentation de son environnement perçu. En 1909, le jeune artiste atteint un tournant avec son tableau "Tournesol II." ( illustration 1) comme première création anthropomorphisante. Avec sa tête penchée, sa tige légèrement inclinée et ses feuilles, le tournesol représenté produit un effet humain particulièrement triste.

Un de mes préférés est le "Soleil couchant" (illustration 2) de 1913, qui est exposé en permanence au Leopold Museum. Le paysage automnal représente deux petites îles près de Trieste, en Italie, tandis que le soleil couchant touche l'horizon entre elles et semble s'enfoncer dans la mer. Le fond central se compose de champs vert foncé avec quelques fleurs jaunes et une colline qui remplit harmonieusement l'espace pictural entre les deux îles. Juste devant le spectateur/la spectatrice s'étendent deux châtaigniers dont les feuilles lâches et brunies suggèrent la saison automnale. Malgré leur hauteur, les arbres sont maintenus par des baguettes de soutien qui apparaissent dans de nombreux tableaux de Schiele et qui, dans certains cas, peuvent être comprises comme une allusion à la relation Christ-Croix.

Rudolf Leopold explique dans son livre "Egon Schiele. Landschaften", en se basant sur la correspondance de Schiele, qu'il a peint ce tableau d'avril à début mai, malgré les caractéristiques automnales. Cela contribue à l'hypothèse qu'il a utilisé la décomposition des arbres comme moyen symbolique au lieu de représenter la saison. 
Le trait est caractérisé par une dynamique anguleuse, principalement horizontale. Les lignes presque gribouillées sont, selon Leopold, la "rédemption du naturalisme antérieur de Schiele". Les deux marronniers qui s'élancent strictement vers le haut offrent au contraire des points de repère verticaux de la trame presque parfaite du sujet. Si l'on considère l'horizon du niveau de la mer, la ligne médiane de la colline et les deux arbres comme des lignes de division de la surface picturale, le tableau peut être décomposé en neuf fragments de taille égale. Au lieu de l'habituelle palette de couleurs chaudes et orangées, on travaille ici avec des tons froids de rose et de bleu, qui transmettent une forte mélancolie, comparable à celle de Kolo Moser. La situation limite du soleil déclinant et des arbres presque sans feuilles donne lieu à des allégories sur les états limites émotionnels.
Bien que Schiele soit connu comme l'un des principaux représentants de l'expressionnisme austro-allemand, sa philosophie de la peinture de paysage reflète ses affinités avec le symbolisme. Du fait que les deux mouvements possèdent quelques zones d'ombre communes, il est parfois difficile de distinguer ou de différencier les différentes œuvres picturales d'un point de vue stylistique.

Comme il ressort de cette recherche, l'art du paysage d'un artiste est souvent négligé ou considéré comme inférieur à d'autres genres. Dans le cas de Schiele, les paysages sont essentiels pour comprendre sa vision du monde et son attachement à la nature. En ce sens, je considère Schiele comme un grand modèle, car il utilise la représentation de la nature pour projeter ses propres sentiments. Inspiré par ces pensées, j'ai peint une série de paysages que j'aimerais présenter ensuite.

1. Archetype of solitude

Dans l'image "The archetype of solitude" (illustration 3), un gigantesque Acer Macrophyllum domine le penseur solitaire assis sur le banc du parc. Comme les grandes branches de l'érable ne sont jusqu'à présent ornées ni de fleurs ni de feuilles, le parc environnant disparaît dans l'oubli et se transforme en un vide spatial qui symbolise l'idée d'être prisonnier de ses pensées. Bien que les paysages de Schiele soient restés la plupart du temps déserts, l'arbre incarne pour moi une sorte d'allégorie des pensées qui se ramifient.

2.  Saules

Avec ses longs bras feuillus, le saule ( illustration 4) offre un sentiment de protection. Lorsque ses branches touchent délicatement la surface de l'eau, une image floue reflète une autre perspective. Le clapotis de l'eau de l'étang du Türkenschanzpark (Vienne) et les bras qui flottent au vent représentent l'espoir et l'inquiétude, le cycle éternel de la vie.

3. Waiting for spring

L'arbre dénudé ( illustration 5) permet de se demander à quelle saison se trouve même la jeune personne qui demande à s'abriter sous le feuillage manquant de cette plante gigantesque. L'image représente l'espoir et l'inquiétude de le voir fleurir à nouveau. Le tronc charnu et les branches enlacent désespérément l'espace du tableau, certaines en hauteur, d'autres s'éloignant du ciel rose qui s'élève.

Liste des illustrations :

Illustration 1: https://sammlung.wienmuseum.at/en/object/202769-sonnenblume/

Illustration 2: https://www.leopoldmuseum.org/de/sammlung/highlights/106  

Illustrations 3, 4, 5: ©Judit Flamich

Si vous souhaitez en savoir plus sur l'artiste et ses œuvres, vous pouvez accéder à son profil art24 ici.