Arc-en-ciel #9 - Le 20e siècle : jusqu'en 1960

Schillernd durch die «-ismen»-Stile

Vu à travers le prisme de la peinture, le 20e siècle commence par un coup de tonnerre : à Dresde, Paris et Munich, des groupements d'artistes tels que "Brücke", "Les Fauves" ou "Der Blaue Reiter" sont fondés en l'espace d'une décennie. Leur peinture expressive et spontanée se caractérise par des combinaisons de couleurs dominantes, issues d'un état d'esprit individuel. En cette période d'expressionnisme, les arcs-en-ciel sont bien reconnaissables en tant que tels. Mais moins comme un reflet de la réalité que comme l'expression d'états d'âme personnels qui soutiennent la composition picturale, comme chez Vassily Kandinsky, cofondateur "Der Blaue Reiter" :

Illustration 1 : Wassily Kandinsky, Murnau - Paysage avec arc-en-ciel, 1909, huile sur carton, 33 cm x 42,8 cm x 0,4 cm, Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München, Gabriele Münter Stiftung 1957

Franz Marc, le deuxième fondateur de " Le Cavalier bleu ", va même plus loin. Dans son œuvre "La tour des chevaux bleus" de 1913, considérée comme perdue depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale en 1945, divers éléments se révèlent : d'une part, l'idée de l'artiste selon laquelle la nature ou l'univers sont unis par l'arc-en-ciel. animal et le cosmos forment une unité, symbolisée par l'arc-en-ciel comme pont entre la terre et le ciel ; d'autre part, l'intégration de caractéristiques expressionnistes, cubistes et abstraites que Marc a pu découvrir grâce au peintre français Robert Delaunay (1885-1941), rencontré l'année précédente, et à ses compositions abstraites marquées par la lumière et la couleur, et qui ont manifestement trouvé leur expression dans la "Tour des chevaux bleus". L'arc-en-ciel est ainsi transposé dans la dimension d'un niveau intellectuel et spirituel, qui n'a donc plus à suivre une imagerie liée à la réalité.

Illustration 2 : Franz Marc, La tour des chevaux bleus, 1913, huile sur toile, 200 x 130 cm, considérée comme perdue depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale en 1945.

L'arc-en-ciel au-delà du monde visible

Le fait que les artistes aient délibérément ignoré les règles académiques dépassées et inadaptées à la vie moderne pour trouver des réponses adaptées à notre époque dans tous les genres artistiques est également dû aux inventions scientifiques et aux nouvelles connaissances apparues au tournant du millénaire, telles que les rayons X, le microscope et le film, la théorie de la relativité d'Einstein ou les découvertes de Sigmund Freud dans le domaine de la psychanalyse. Chez Paul Klee (1879-1940) et sa créativité avide d'expériences, les résultats de la recherche et des sciences naturelles convergeaient toujours avec ses propres observations de la nature. "Créer quelque chose de nouveau", reproduire "les éléments constitutifs de la vie" sous de nouvelles formes d'expression picturale, voilà ce qui motivait cet artiste hors du commun. Après s'être inspiré au début des œuvres cubistes de Braque ou de Picasso ou des abstractions circulaires aux couleurs lumineuses de Robert Delaunay, qui ont marqué de manière décisive la prise de conscience de Klee d'une dissolution figurative, il a trouvé son propre langage pictural. Son aquarelle "avec l'arc-en-ciel", inspirée par Delaunay, laisse un arc-en-ciel recouvrir un paysage abstrait et symétriquement construit à partir de bandes de couleur angulaires, au centre de la partie supérieure de l'image - juste en dessous, un bâtiment sombre avec une tour, qui rappelle une église et se termine par un cercle bleu. Des bandes de champs travaillées par l'homme et des canaux d'eau construits versus le cosmos, la sphère (céleste) supraterrestre - symbolisée par le disque bleu et l'arc-en-ciel - propulsent l'œuvre de Klee, réalisée en pleine Première Guerre mondiale, dans l'avant-garde contemporaine grâce à son langage visuel intemporel qui a dépassé toute reproduction réaliste.

Illustration 3 : Paul Klee, avec l'arc-en-ciel, 1917, 56, aquarelle sur fond de papier sur carton, 17,4 x 20,8 cm, collection privée suisse, dépôt au Centre Paul Klee, Berne

Au départ encore attaché à l'impressionnisme et à l'expressionnisme, l'artiste roumain Arthur Segal (1875-1944) a lui aussi développé à partir de 1914 son propre langage formel abstrait, dans lequel tous les objets, figures et éléments sont traités de manière équivalente à l'intérieur de trames peintes qui s'étendent (ou peuvent s'étendre) jusqu'au cadre. La voie est ouverte à des œuvres totalement abstraites.

Illustration 4 : Arthur Segal, Rainbow (prismatic), 1924, huile sur toile avec cadre en bois peint, 105.4 × 85.7 cm, Art Institute Chicago, don de Richard Roth

Dans "l'arc-en-ciel prismatique", ce principe apparaît de manière spectaculaire : à l'intérieur des grilles rectangulaires, un arc-en-ciel décomposé en de nombreuses bandes colorées reçoit un nouvel ordre géométrique et donc un nouveau sens pictural. Ce n'est pas l'arc-en-ciel en tant que motif qui est au premier plan, mais la structuration rythmique de la surface du tableau à l'aide des couleurs de l'arc-en-ciel en éventail qui doivent suivre un modèle. Il est toutefois difficile de voir que Segal a découvert et utilisé la théorie des couleurs de Goethe.

L'arc-en-ciel, porteur d'espoir ?

Avec le "Paysage ferroviaire avec arc-en-ciel" de Max Beckmann (1884-1950) datant de 1942, le motif de l'arc-en-ciel acquiert une autre connotation. L'artiste, qui avait quitté définitivement l'Allemagne nazie en juillet 1937 pour émigrer aux Pays-Bas, a donné à ce tableau avec un train à vapeur le long d'un cours d'eau une atmosphère oppressante : malgré quelques arbres en fleurs et l'arc-en-ciel coloré, mais dans un ordre incorrect de rouge-orange-vert-bleu-jaune au lieu de rouge-orange-jaune-vert-bleu-violet, ainsi que des cours d'eau turquoise, les branches noires, le nuage de vapeur et la zone sombre de la forêt empêchent une ambiance sympathique. Ce tableau était-il une réaction à sa situation personnelle en exil à Amsterdam, à la diffamation en tant qu'artiste dégénéré en Allemagne, aux temps difficiles de la guerre, exprimant malgré tout l'espoir coloré de paix sous le signe de l'arc-en-ciel, en se poussant en avant vers des temps meilleurs grâce au chemin de fer ?

"Ce qui m'importe avant tout dans mon travail, c'est l'idéalité qui se trouve derrière la réalité apparente. Je cherche à partir du présent donné le pont vers l'invisible - ... : "Si tu veux saisir l'invisible, pénètre aussi profondément que tu peux - dans le visible". Il s'agit toujours pour moi de saisir la magie de la réalité et de traduire cette réalité en peinture. ? Cela peut peut-être paraître paradoxal - mais c'est vraiment la réalité qui constitue le véritable mystère de l'existence ! ? Je me suis réveillé - et je me suis vu en Hollande, au milieu d'une confusion sans limite du monde. Mais ma foi en une libération et une rédemption finales de toutes les choses qui me tourmentaient et me réjouissaient s'était à nouveau renforcée, et tranquillement, je reposai ma tête sur les oreillers. Pour dormir et continuer à rêver". (Beckmann 21.6.1938). 

Illustration 5 : Max Beckmann, Paysage ferroviaire avec arc-en-ciel, Amsterdam 1942, huile sur toile, 55 x 89 cm, collection privée

Arcs-en-ciel de fumée et de lumière

Le nouveau départ de l'art après la fin de la Seconde Guerre mondiale devait être radical. Tellement radical qu'Otto Piene (1928-2014) a fondé en 1957, avec Heinz Mack (né en 1931), le groupe d'artistes ZERO, qui devait littéralement "repartir de zéro". Piene, encore trop peu connu de nos jours, est devenu l'un des précurseurs les plus influents de l'art lumineux (cinétique, sculptural). Avec de la fumée, du feu, du mouvement et de la lumière, il a créé des œuvres incandescentes au sens propre du terme. Le fait qu'il ait trouvé le motif de l'arc-en-ciel pour lui-même se reflète dans de nombreuses gravures, sérigraphies et gouaches, comme dans l'exemple suivant "Lichtbogen (Regenbogen für Hering)" de 1966, réalisé comme cadeau annuel pour le Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, et probablement dédié à son directeur, le Dr Karl-Heinz Hering. L'idée de Piene était de créer un art faisant référence à l'existence humaine. Exprimé par la juxtaposition de la lumière et de l'obscurité, du jour et de la nuit, de la vie et de la mort. La reproduction de l'arc-en-ciel intensément lumineux, dont le rayonnement incandescent sur fond noir est renforcé par de la peinture aérosol rouge, le fait planer légèrement et devient une fois de plus le leitmotiv de sa réflexion sur le soleil (et la lumière). Piene ne cherchait pas à reproduire optiquement l'arc-en-ciel avec exactitude, mais à transposer et à rendre visibles les forces de la nature.

Illustration 6 : Otto Piene, Lichtbogen (arc-en-ciel pour hareng), sérigraphie en couleur sur carton, retravaillée à la main avec de la peinture en bombe, 1966, 50 x 70 cm, signée, datée, Epreuve d`artiste. Propriété privée,

Avec son arc-en-ciel géant pour la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d'été de Munich en 1972, Otto Piene a finalement créé un symbole de paix et fait connaître son "Sky Art" dans le monde entier.

La dixième partie de notre série de blogs retrace comment l'arc-en-ciel a conquis les décennies restantes du 20e siècle.

Littérature complémentaire :

Little Stephen. (2006). …ismen. Kunst verstehen. München: Verlag Knesebeck

Ruhrberg Karl, Schneckenburger Manfred, Fricke Christiane, Honnef Klaus (Hg.). (2003). Kunst des 20. Jahrhunderts. Malerei, Skulpturen und Objekte, Neue Medien, Fotografie. Köln: Taschen Verlag