Arc-en-ciel #7 - À l'âge de raison et des Lumières

Utilise ta raison...

Ce sont des philosophes et des scientifiques qui, avec leurs écrits sur la tolérance, la liberté, le progrès et la pensée rationnelle, ont jeté les bases du siècle des Lumières et attaqué les préceptes de l'Église et les opinions religieuses. Comme la déclaration d'Emmanuel Kant : "Aie le courage de te servir de ta propre intelligence" (1784). Cette phrase est considérée comme l'une des maximes les plus importantes de l'époque, qui n'a pas seulement donné une nouvelle orientation à la philosophie. Avec l'émancipation croissante de la bourgeoisie, qui revendiquait ses propres droits et remettait en question la suprématie de l'aristocratie, le domaine de l'art et de la culture gagna lui aussi un public passionnant avec des expositions contemporaines, l'émergence de la critique, de la théorie et de la réception de l'art ainsi que la création d'académies - surtout à Londres et à Paris, qui étaient les principaux centres du marché de l'art en Europe. Lorsque le brillant âge d'or de la culture aristocratique commença à s'estomper après la première moitié du XVIIIe siècle, les théories des Lumières aux programmes moralisateurs, éducatifs et rationnels, ne purent être arrêtées. La perception du beau et du naturel, d'une représentation simple et claire dans l'art, qui devait éveiller des sensations chez les spectateurs, devint l'objet de nombreux traités théoriques sur l'art (par exemple chez Johann Georg Sulzer). L'étude de la lumière et des couleurs spectrales de l'arc-en-ciel, comme le blog art24 "Visages de la théorie des couleurs" l'avait déjà évoqué, a également fait l'objet d'une analyse plus approfondie au cours de ces décennies.

...et peins !

Mais quel a été l'impact de toutes ces tendances et théories des Lumières sur les arts visuels ? Sur les artistes qui ont utilisé le motif de l'arc-en-ciel, d'autant plus qu'il a été représenté pendant de nombreux siècles comme un symbole et souvent de manière non optiquement correcte ? L'influence du cercle chromatique d'Isaac Newton, les connaissances qui en découlent pour ses successeurs ainsi que l'invention d'autres pigments colorés ne doivent pas être sous-estimées dans la "révolution des couleurs" et leur "interpénétration" au 18e siècle. L'une des artistes qui s'est inspirée du cercle chromatique de Newton était l'ingénieuse et brillante Angelika Kauffmann (1741-1807). Pendant son séjour de plus de dix ans à Londres, elle a réalisé son tableau Colouring. Cette œuvre de commande aux couleurs somptueuses fait partie d'un total de quatre peintures de plafond pour le siège de la Royal Academy à Somerset House, plus tard Burlington House. L'esquisse en grisaille qui la prépare (voir image 2) montre déjà la magnifique fusion du symbolisme, de l'iconographie et de la science, parsemée d'idées artistiques personnelles.

Illustration 1 : Angelika Kauffmann, Colouring, 1778 à 1780, peinture de plafond transversale ovale, 130 x 149,5 cm, Royal Academy of Arts, Somerset House, Londres. Photo : Wikimedia Commons.

Illustration 2 : Angelika Kauffmann, Colour, esquisse en grisaille huile sur papier, 1778-80, 22.4 x 28 cm, Graphics & Dessins Study Room, niveau C, Case MB2A, étagère DR80, Victoria and Albert Museum, Londres. Photo : Victoria and Albert Museum.

Une jeune artiste, au milieu d'un paysage rocheux, prélève de la peinture sur un arc-en-ciel avec son pinceau. Dans l'autre main, elle tient une palette avec une touche de peinture blanche (symbole de la lumière blanche). Alors que cette scène représente le genre de la peinture et la couleur comme l'un des éléments de l'art, le petit caméléon à ses pieds représente la diversité des couleurs dans la nature. En complément des autres peintures de plafond présentant d'autres éléments de l'art ("invention", "composition" et "design"), Angelika Kauffmann a suivi les vues de Sir Joshua Reynolds (1723-1792). Ce peintre passionné par la couleur, tant en théorie qu'en pratique, a été le premier président de la Royal Academy de Londres, alors toute jeune, dont Angelika Kauffmann était également membre fondateur. Les contenus de ses cours sur la peinture et la couleur lui étaient donc suffisamment familiers. Très vite, le tableau de Kauffmann fut diffusé sous forme de gravure sur cuivre par Francesco Bartolozzi (1727-1815) - sa renommée en tant que "peut-être la femme la plus cultivée d'Europe" (Gottfried Herder à sa femme Caroline en 1789), qui savait illustrer des théories avec une grande habileté, fut encore renforcée.

Le portrait d'Archibald Montgomerie, réalisé dans les années 1783/84, montre que Sir Joshua Reynolds ne se contentait pas de théoriser sur la couleur et la lumière, thèmes très appréciés. Les portraits de Reynolds, qui reprenaient le plus souvent des atmosphères célestes spectaculaires, observées avec une grande précision optique, étaient extrêmement recherchés. Archibald Montgomerie, 11e comte d'Eglinton, qui apparaît comme un saint sous un halo de lumière, reflète de manière impressionnante les observations exactes de Reynolds sur la nature, y compris en ce qui concerne les dégradés de couleurs.

Illustration 3 : Sir Joshua Reynolds, Archibald Montgomerie, 11th Earl of Eglinton, 1783-1784, huile sur toile, 76.2 x 63.5 cm, Royal Collection of the British Royal Family.

Benjamin West (1738-1820), le deuxième président de la Royal Academy, savait lui aussi, dans un langage brillant, inciter ses étudiants à utiliser correctement les couleurs, par exemple en 1897 dans des conférences sur "Principles of Colouring in Painting" ou "The Warm and Cold Colours" (p. 115 et suivantes), publiées en 1820 dans "The Life, Studies, and Works of Benjamin West". Il n'est plus guère surprenant que l'arc-en-ciel y soit également cité comme modèle lumineux pour l'utilisation correcte des couleurs.

Le peintre anglais Joseph Wright of Derby (1734-1797) s'intéressait également beaucoup aux sciences naturelles, et ses œuvres semblent s'illuminer de l'intérieur grâce à des effets de lumière mis en scène de manière dramatique. L'un de ces chefs-d'œuvre est A Philosopher Giving that Lecture on an Orrery, in which a Lamp is put in the Place of the Sun de 1766. La lumière étant considérée comme le symbole par excellence du siècle des Lumières et jouant un rôle significatif à bien des égards, Wright se reconnaît comme son grand représentant, représentant et rendant en même temps hommage à l'acquisition de la pensée et du savoir rationnels.

Illustration 4 : Joseph Wright of Derby, Un philosophe donne une conférence sur le planétarium, 1764-1766, huile sur toile, 147,3 x 202,2 cm, Derby Museum and Art Gallery, Derby, Angleterre.

En 1794, Wright a réalisé un paysage avec un arc-en-ciel dont l'emplacement est probablement fictif. Un an plus tôt, l'artiste avait dit à son ami et mécène John Leigh Philip : "Je vais essayer de faire un effet arc-en-ciel". Il s'agissait pour lui d'un nouveau thème, probablement inspiré par des représentations de paysages antérieurs avec arc-en-ciel, par exemple de Peter Paul Rubens, que Wright a toutefois complétées par ses propres études de la nature et par intérêt personnel pour les phénomènes météorologiques - tout à fait dans le sens kantien de "se servir de sa propre raison".

Illustration 5 : Joseph Wright of Derby, Landscape with a Rainbow, 1794, huile sur toile, 81.2 x 106.7 cm, Derby Museum and Art Gallery, Derby, Angleterre.

Dégradés spirituels et mystiques

L'art du 18e siècle était cependant bien plus marqué par des sujets isolés, issus des Lumières, d'autant plus que l'on ne peut guère parler d'un art pur des Lumières, mais plutôt d'un art des Lumières. Les motifs picturaux d'univers lointains, d'apocalypses menaçantes, de scènes érotiques et de l'anatomie humaine étaient trop complexes, et les créateurs d'art ont transposé des pensées et des visions avec trop d'imagination. L'un de ces visionnaires était William Blake (1757-1827) qui, en tant qu'artiste, poète, mystique de la nature et inventeur de la gravure en relief, n'a toutefois pas été reconnu. La même année que l'image de l'arc-en-ciel de Wright, Blake a écrit le poème Europe a Prophecy avec de nombreuses illustrations, dont l'exemple suivant est tiré :

Illustration 6 : William Blake, Europe a Prophecy, 1794, gravure en relief et à la ligne blanche avec impression en couleur et coloriage à la main, 36 x 25.7 cm, The British Museum, Angleterre, photo : British Museum.

Une figure ressemblant à Dieu le Père, dans une formation solaire expressive aux reflets rouge-orange avec une couronne de rayons inférieure, entourée de nuages gris-bleu, se tient à genoux, le dos courbé, le bras tendu et un compas surdimensionné dans la main, prêt à être arpenté. Ce que contient ce "compas" et ce à quoi il se réfère est littéralement obscur pour nous, les observateurs, et peut-être aussi pour l'"architecte" lui-même. Ce dégradé de couleurs lumineuses dans la prophétie de Blake souligne les points de vue artistiques de plusieurs manières : D'une part, Blake se considère comme un artiste lié au divin, qui voulait conduire les hommes à un renouveau spirituel ; d'autre part, il a créé ses propres créatures mythologiques (comme l'orque comme esprit de l'énergie), qui doivent être comprises comme des symboles de ses points de vue sur les maux historiques et politiques de son époque. Blake a utilisé ici le cercle comme signe des francs-maçons, qui étaient considérés comme les "architectes" soutenant les révolutions en France et en Amérique. Politique, spiritualité, révolution, histoire, sagesse - tout s'interpénètre, et devrait toujours être re-circulé.

Illustration 7 : William Blake, Béatrice parle à Dante, 1824, 37 x 53 cm, encre de Chine et aquarelle sur papier, Tate Gallery.

Dans l'imagination de William Blake, la visite guidée de Dante (1265-1321) par son grand amour Béatrice à travers le ciel ne pouvait pas être plus colorée et séduisante pour les yeux et les sens - avec des nuances de couleurs finement chatoyantes, un peu comme les couleurs de l'arc-en-ciel, l'artiste a illustré cette scène à la fin de la "Divine Comédie" de Dante de 1321 et s'est ainsi déjà propulsé dans la prochaine époque artistique : celle du romantisme.

Une fois de plus, Blake a montré, avec d'autres artistes, que les Lumières sont la reconnaissance de la nécessité d'atteindre de nouvelles idées et de nouvelles sphères en utilisant sa propre pensée et son propre esprit, afin de pouvoir laisser la science et la recherche loin derrière. Le prochain article de cette série de blogs dévoilera comment l'art s'est ensuite attaqué à l'arc-en-ciel après 1800.

Littérature complémentaire :

Steffen, Martus. (2015). Le siècle des Lumières. Le 18e siècle allemand. Un tableau d'époque. Berlin : Rowohlt.

Saltzwedel, Johannes (éd.). (2017). Le siècle des Lumières. Le drame de la raison du 18e siècle à nos jours. DVA Spiegel Verlag.

Kay Kankowski (2012). Die Entstehung bürgerlicher Öffentlichkeit im 18. Jahrhundert, Munich, GRIN Verlag, https://www.grin.com/document/192628.

Liens complémentaires :

Angelika Kauffmann Research Project

Le siècle des Lumières en images, Deutschlandfunk Kultur