Remarque : les termes techniques sont imprimés en italique lorsqu'ils sont mentionnés pour la première fois et sont expliqués dans un glossaire à la fin du texte.

Le motif floral - une brève rétrospective

Les fleurs ont toujours été un motif populaire dans les arts visuels. Dans la mythologie égyptienne ancienne, la fleur de lotus symbolisait le soleil et était liée au concept de création et de renaissance. Le lys blanc était également connoté à la fertilité et à l'érotisme de la déesse grecque Héra. Dans le monde chrétien, le lys était un symbole de pureté, d'innocence et de conception virginale. Il fait référence à la Vierge Marie et était donc généralement représenté dans les scènes d'Annonciation.

Mais le lys représente aussi la lumière, l'espoir et la vie éternelle par-delà la mort. Il symbolise ainsi l'histoire de la Passion du Christ. Des associations telles que la vie, la croissance et la fertilité sont donc inhérentes à la fleur et ont été connotées en conséquence avec des représentations de la féminité et de la sexualité. Et quel est le langage de la fleur dans la peinture d'aujourd'hui ? Pour cela, nous suivons l'évolution du motif floral.

Après avoir été représentées, comme nous l'avons mentionné au début, dans l'Antiquité et au Moyen Âge le plus souvent comme symbole pour accompagner une scène, les fleurs ont trouvé leur place sur les tableaux à la fin de la Renaissance en tant qu'objets isolés. Le genre dit de la nature morte florale s'est développé.

Les natures mortes de fleurs étaient surtout populaires aux Pays-Bas, où les fleurs étaient considérées comme un symbole de luxe en rapport avec la richesse acquise par le pays (âge d'or). De magnifiques bouquets de fleurs étaient arrangés de manière picturale, souvent dans des combinaisons qui ne correspondaient pas à la réalité, les fleurs assemblées fleurissant à chaque fois à des moments différents. Grâce à cette forme et à cette composition arbitraire de bouquets dans la peinture, la nature était vaincue. Le fait que ces antipodes que sont "l'artificiel" et "le naturel" s'opposent de manière effrontée caractérise le motif floral : Quelque chose de naturel devient quelque chose d'artificiel et, inversement, l'artificiel représente le naturel.

C'est à l'époque baroque que la nature morte florale a atteint son "apogée". Contrairement aux compositions vives et colorées dans lesquelles les fleurs survivaient à leur vie en tant qu'image, les fleurs flétries étaient désormais peintes comme des natures mortes vanitas instructives avec des motifs de memento mori. Elles représentaient une expression du caractère éphémère de la vie terrestre - car l'homme n'échappait pas à la mort, même avec une richesse matérielle.

Mais à la même époque, les fleurs étaient également peintes à des fins d'étude en raison d'un intérêt croissant pour la nature. Cet intérêt n'était pas nouveau en soi, mais la mondialisation qui s'est développée avec le colonialisme a incité les pays européens à peindre la diversité florale des pays qu'ils avaient conquis. C'est ainsi que l'observation précise s'est associée à une exigence artistique dans l'art et la science occidentaux.

Jusqu'au 19e siècle, la peinture de paysages et de natures mortes est redevenue futile et a de nouveau évolué vers une activité symbolique secondaire. La peinture d'histoire est alors à l'honneur. Vers 1875, on représentait certes de nouveau de plus en plus de fleurs, mais elles n'étaient peintes "qu'à" des fins d'exercice dans les académies encore dominées par les hommes. La peinture de fleurs était qualifiée avec mépris d'"art féminin", car elles n'étaient considérées que comme des phénomènes quotidiens auxquels les femmes pouvaient se consacrer pour passer le temps. Selon la conception de l'époque, la peinture d'histoire permettait aux artistes de démontrer leur savoir-faire et de traiter des sujets à plusieurs niveaux, ce qui se reflétait aussi formellement dans les formats monumentaux, conçus pour l'éternité. La peinture de fleurs, en revanche, ne représentait pas un défi rationnel ni un art "grandiose". Mais avec l'avènement du réalisme, les paysages et les motifs floraux sont redevenus dignes d'art et pouvaient véhiculer des contenus complexes. Puis, avec les peintures de fleurs de l'impressionnisme et du post-impressionnisme, l'art abstrait n'était plus très loin. Les idées idéalistes et morales qui s'attachaient encore à la peinture se sont lentement dissoutes.

La nouvelle diversité florale en peinture

Les fleurs étaient donc vénérées d'une part pour leur beauté pure, qui procurait joie et plaisir à un niveau très personnel. En même temps, comme le montre l'histoire, c'est justement pour cette raison qu'elles ont été chargées d'une énorme signification symbolique.

Si l'on considère le motif à partir de l'époque moderne classique, la signification des fleurs est devenue aussi changeante et variée que leur présence dans la nature et la culture. Ils occupent la toile de diverses manières. Le motif se détachait ainsi de plus en plus de son contexte religieux, tout en conservant une certaine symbolique auratique, qui devenait toutefois de plus en plus profane, notamment lorsqu'il s'agissait du "féminin". Les fleurs étaient toujours considérées comme un signe de la capacité à se reproduire, mais aussi comme un symbole du plaisir et de la concupiscence féminins. Le lien entre la sexualité et la fleur s'est même manifesté au niveau linguistique : en allemand comme en anglais, le mot "défloration" est assimilé au terme "Defloration", issu de la botanique. Mais probablement aussi parce que les fleurs portent en elles cette sensualité. Que ce soit par leurs formes variées et symétriques, leurs couleurs, leur parfum ou leur texture, leurs propriétés sont associées aux "féminins". Cette idée, encore culturellement dominée par les hommes, a longtemps ignoré la voix des femmes artistes. Car ce sont précisément leurs tableaux de fleurs qui ont été interprétés comme un art stéréotypé "féminin". Le corps et l'esprit semblaient donc s'y être fixés, comme on l'a enseigné pendant des siècles. Les motifs floraux féminins ont donc été interprétés à l'époque moderne comme des symboles freudiens cachés et devaient représenter des vulves. Mais peut-être s'agissait-il tout simplement d'un langage en contraste avec la technicisation et l'urbanisation de l'époque, ce qui se reflétait artistiquement surtout dans le cubisme et le futurisme, des mouvements artistiques associés à la "masculinité".

L'interprétation sexuelle des fleurs peut également être mise en relation avec une théorie esthétique qui a longtemps perduré. Les fleurs semblent avoir été attribuées au beau et non au sublime (Emmanuel Kant). Dans cette distinction occidentale entre le sublime et le beau, on trouve également une distinction entre le "masculin" et le "féminin". Les fleurs étaient considérées comme sans but, car elles étaient simplement belles. La beauté était donc considérée comme une caractéristique du "féminin". En conséquence, la sexualité de la femme était également intégrée dans les traités sur la beauté (Sigmund Freud). Le féminin comme le beau étaient des choses qui échappaient à la rationalité, et donc aussi à la scientificité considérée comme masculine. Ils n'étaient donc pas sublimes, mais beaux - et donc sexuels. Grâce à ce lien répétitif avec le désir, la sensualité de la fleur semblait devenir de plus en plus triviale. On peut considérer que c'est à ce moment-là que la fleur s'est libérée de cette sensualité féminine unilatérale. Car les fleurs permettaient aux artistes d'interagir entre cette même sensualité, le décoratif, le spirituel, le panthéiste et le sociopolitique. En représentant les fleurs de manière proéminente, les gens devaient regarder et observer attentivement - et c'est probablement là aussi que réside la sensualité - pour reconnaître quelque chose ou quelqu'un et prendre le temps de le faire. Il s'agissait d'éveiller à nouveau la conscience de l'environnement, toujours en lien avec le transcendant et le spirituel (au sens de Wassily Kandinsky). Les fleurs créent une relation entre l'homme et la nature. Elles symbolisent ainsi notre relation avec l'ensemble du cosmos. L'être humain et sa ressemblance avec la fleur, même d'un point de vue anatomique, sa fragilité et en même temps sa vivacité, à l'instar des motifs Vanitas, semblent nous refléter nous-mêmes dans les fleurs - car la fleur n'est en réalité ni masculine ni féminine, mais androgyne. 

Les représentations florales modernes ont permis à l'homme de découvrir l'abstraction dans l'art, une expression de l'essence des choses, de s'associer aux émotions et à la sensualité et de se détacher du symbolisme du plaisir féminin et de ses organes génitaux. Les fleurs offraient donc aux artistes modernes de multiples possibilités d'expression : elles servaient à s'exercer et à expérimenter avec la matière, offraient l'occasion de peindre ou de photographier de manière libérée et expressive, voire abstraite, transportaient une multitude de contenus symboliques et d'histoire, mais pouvaient aussi apparaître comme une simple décoration et servir de motif à la peinture.

Où se trouve donc l'auratique profane dans les tableaux de fleurs ? Les représentations florales de l'artiste américaine Georgia O'Keeffe, dont les œuvres sont actuellement exposées à la Fondation Beyeler, peuvent servir d'exemple. Celles-ci attirent particulièrement l'attention par leur mise en scène macroscopique. La vue rapprochée permet de voir des plantes fantastiques et fascinantes, ce qui est autrement impossible pour l'œil. Celles-ci occupent toute la surface du support de peinture et c'est sans doute pour cela qu'elles nous impressionnent - car cette focalisation sur quelque chose d'ordinaire si petit, auquel l'homme se confronte rarement de manière aussi précise et consciente, prend une nouvelle signification. La présence de la fleur ne peut plus être niée par la représentation surdimensionnée. Ce mode de représentation engageant se rapproche de la fonction d'une image-portrait, mais leur confère en même temps un caractère iconique, à l'instar d'une image sainte. La nature est ainsi déclarée comme quelque chose de divin/panthéiste, que l'on peut trouver en soi par la référence au portrait ou à la peinture d'icônes. Une relation personnelle s'établit entre la plante et la personne qui la regarde, un reflet de l'homme dans la nature en quelque sorte. L'obligation d'adopter une perspective bien précise ouvre en même temps un espace pour des interprétations personnelles. Les détails de grand format prennent alors souvent des formes abstraites et, en tant que partie du réel, ouvrent à leur tour de nouvelles vues et interprétations. Les définitions de l'esthétique, notre compétence de perception du monde, sont élargies et la peinture d'O'Keeffe établit ainsi des points communs avec la photographie : car avec l'observation précise et le zoom, on n'est plus très loin de l'altération ou de l'abstraction.

Cela a pour effet de mettre l'accent avant tout sur la matérialité et la forme. Une telle observation isolée élimine toute temporalité de l'image. L'image de la fleur devient donc d'une part quelque chose de conscient et d'autonome, qui survit à sa validité temporelle ; mais le fragment incarne également la lenteur et l'immobilité, même si, en réalité, le temps est inévitablement lié à la photographie ou au processus de la peinture. L'agrandissement formel crée donc une relation émotionnelle et intime avec l'objet, qui reste en même temps toujours énigmatique et donc auratique. La focalisation démesurée sur les fleurs les rend indiscernables et nous fait prendre conscience de notre lien avec la nature.

Les fleurs peuvent donc représenter bien plus que la virginité et le caractère éphémère. Malgré cela, ou peut-être justement en connaissance du langage symbolique historique des fleurs, l'artiste Edith Irving-Sommer s'est penchée sur le motif floral et ces thèmes dans son tableau "Höhepunkt einer Tulpe".  Elle évoque le désir féminin de manière évidente, voulue et assumée en utilisant le mot "point culminant" dans le titre du tableau. Ce faisant, elle joue avec la couleur fanée de la tulipe, avec laquelle elle fait allusion au tournant et au changement de la phase fertile, le climatère, des êtres humains biologiquement féminins. Même si la tulipe vieillit, cela ne signifie pas la fin de l'apogée sexuelle. Elle témoigne de ce processus en figeant la fleur sous forme de peinture. La tulipe représente symboliquement la beauté et la sensualité. Dans ce cas, pour celle de la femme vieillissante, des qualités qui lui sont malheureusement souvent déniées. La rhétorique de l'éphémère, inhérente à la fleur, fait comprendre aux femmes qu'à partir d'un certain âge, la beauté et le désir semblent se flétrir et qu'à un moment donné, ils n'existent plus. La tulipe représentée reste donc belle et sexuelle malgré le processus de vieillissement. Irving Sommer crée ainsi un nouveau récit qu'elle détermine elle-même. Cela montre que les motifs floraux dans la peinture sont complexes et peuvent être réinterprétés, ils peuvent donc aussi évoquer le sexuel d'une nouvelle manière. 

Dans le tableau de l'artiste iranienne Ghazal Ashrafian "This woman is me", le thème est en revanche tout autre. On trouve des fleurs sur le tissu de sa figure féminine ; sa robe en est parsemée, tout comme le sol sur lequel elle se tient. Des motifs décoratifs similaires entourent la femme. Les fleurs prennent certes de la place dans l'œuvre en tant qu'éléments décoratifs, mais elles ne sont pas pour autant dénuées de sens. Car à travers elles, l'artiste fait référence à son pays d'origine, l'Iran, un pays au riche héritage culturel et à l'art merveilleux. La planéité des éléments dans le tableau éveille des analogies avec les papiers peints, les tapis ou les carreaux - des motifs colorés et symétriques, tels qu'on les trouve sur les tissus ou les revêtements muraux en Iran. Les fleurs noires sur lesquelles se tient la femme symbolisent sa tristesse et ses larmes. Par son œuvre, l'artiste souligne d'une part le côté décoratif des fleurs, qui trouve depuis toujours sa place dans la création humaine et qui l'inspire. D'autre part, elle parle aussi d'une nostalgie et de sa confrontation avec sa patrie.

Les fleurs ont subi un énorme changement de signification. Elles servent d'objet à divers thèmes et ouvrent de multiples discours sur des traitements historiques ou phénoménologiques, mais aussi sociopolitiques ou spécifiques au genre. Compte tenu de la technicisation et de la numérisation, le motif floral continue d'être un espace de confrontation personnelle - également entre l'artiste et le spectateur.

Sur art24.world, tu trouveras des motifs floraux passionnants dans les œuvres de nos artistes. Découvre maintenant comment ils mettent en scène les fleurs et ce qu'ils veulent en dire :

Margot Ressel 

Maria Fernanda Schulz

Alice in Fotoland

Angela Roos-Maguire

Maximilian Hilpert

Tibor Gaspardy

Alexandre Calame

Hans Binz

Katalin Szabadi

Josef Kilian

Glossaire :

Âge d'or : dans l'histoire néerlandaise, ce terme désigne une "période de prospérité" économique et culturelle qui a commencé vers 1600 et a duré environ un siècle.

Nature morte Vanitas : Vanitas (latin : "vanité", "néant") désigne le caractère éphémère des choses terrestres. Ce type de tableau s'est développé à l'époque baroque. On y rassemblait des objets inanimés, compris comme des symboles de l'éphémère, mais aussi comme des symboles de pouvoir, de richesse et de plaisirs terrestres. Ils ont ainsi une fonction moralisatrice. Cet art chrétien a également été peint pendant "l'âge d'or" des Pays-Bas.

Memento mori : le memento mori (du latin "pense que tu vas mourir") est un motif artistique qui a également été utilisé dans le contexte de la nature morte Vanitas. Il s'agit d'objets tels que des fruits en décomposition, des fleurs, des mouches, des grenades, des crânes. Ces symboles illustrent le caractère inéluctable de la mort.

Peinture d'histoire : la peinture d'histoire est née à la Renaissance et traite de sujets historiques, religieux, mythiques ou littéraires, qui sont représentés de manière condensée en un seul moment, les transposant ainsi dans un espace idéal hors du temps. Les personnages historiques et les actes passés sont représentés de manière glorifiée et souvent mis en relation avec des thèmes contemporains.

Auratique : par aura, on entend l'expérience de l'objet avec son existence unique. Un état qui ne peut jamais être pleinement saisi et qui porte donc en lui une composante inquiétante et mystique. Cela est toujours lié à la perception, les tendances sociales ont donc également une influence sur l'aura.

Le féminin : caractéristiques socialement attribuées à une personne de sexe féminin.

Les symboles freudiens : Souvenir d'un symptôme dont le sujet n'est cependant pas conscient. Sigmund Freud a supposé que les sentiments et les affects désagréables sont traduits en une image symbolique. Cette image peut pénétrer dans la conscience, par exemple par le biais d'un rêve, et être analysée.

Esprit : "L'esprit" désigne l'imagination sensuelle et les formes de pensée. Cela signifie également une perception apprise au fil des siècles.

Panthéisme : Le panthéisme voit le divin dans la construction et la structure du monde. En conséquence, "Dieu" est à la fois la nature et contenu dans celle-ci. Il existe différentes formes de cette "religion". Souvent, le mot "Dieu" est compris comme une formule de synthèse pour le monde et ne désigne pas un Dieu personnifié.

Le spirituel : "Le spirituel" chez Wassily Kandinsky dans son écrit "Über das Geistige" (1912) signifie que les observateurs se reconnaissent eux-mêmes dans la pureté de la perception, ce qui ne peut plus être en rapport avec la beauté de la nature. L'ouvrage servait à "légitimer" l'art abstrait et critiquait en conséquence l'imitation idéale de la nature comme mesure suprême des beaux-arts. Le spirituel est donc ce qui est incarné dans une image et qui reste invisible et, selon Kandinsky, "l'abstrait".

Le beau : un concept d'Emmanuel Kant. Il décrit le sentiment du "beau", qui est enraciné dans la nature humaine. Il est décrit comme quelque chose d'agréable et de joyeux. Le "beau" dépend du "sublime".

Le sublime : le terme d'Emmanuel Kant désigne quelque chose de grand/de sacré. "Le sublime" est lié à la crainte, à la vénération et au respect et suscite donc, outre un sentiment agréable, également de la terreur. Il y oppose le terme "beau", dont le "sublime" est une spécification. De plus, il divise le genre humain en sublime et en beau, ce qui est très problématique. Selon Kant, l'homme est sublime, tandis que la femme est belle. De même que le sentiment "du sublime" est complété par le sentiment "du beau", la femme complète l'homme. Le sexe masculin représente le sérieux et l'intelligence profonde. La femme, en revanche, a un bel esprit. Elle ne devrait donc pas s'occuper d'affaires sérieuses.

Icône : dérivée du gr. eikṓn "image", une icône désigne une image de saint. L'image de la personne sainte devait susciter le respect et établir un lien entre le spectateur:in et la personne sainte représentée. Elles servaient de "fenêtre sur le ciel", la personne représentée pouvant certes être vénérée, mais l'adoration s'adressant à Dieu.

Crédit photo :

Image 1_Annonciation : Annonciation à Marie, Jan van Eyck, vers 1434/36, huile sur toile reportée sur un panneau, 90.2 cm x 34.1 cm, National Gallery of Art, Washington, Andrew W. Mellow Collection, photo : National Gallery of Art, Washington.

Image 2_Merian : Rose buissonnante avec mineuse, larve et chrysalide. 1679, aquarelle et couleurs couvrantes sur réimpression sur parchemin, 18.8 cm x 14.6 cm, Städel Museum, Johann Georg Gambs Sammlung, photo : Städel Museum, Frankfurt am Main.

Image 3_de Meyer_Stieglitz : Baron Adolf de Meyer et Alfred Stieglitz, Nature morte : Nénuphars, négatif 1906 ; impression 1908, photogravure, 16,2 cm x 22,3 cm, photo : Getty Museum.